Nobodyknows+ - Vulgarhythm (2007)

Bueno, para Navidad y fin de año, fiesta.

La palabra "vulgar" tiene dos caras, puede ser falta de originalidad, seguimiento servil de lo que hacen otros, el más atrasado sentido común o simple pereza. Pero también puede ser eso que surge del pueblo, de su creatividad, de lo que se le ocurre hacer a uno con ganas de divertirse.

A mí no me gusta ni lo popular ni lo no-popular, no me parece un criterio. Tanto en la música más espontáneamente popular como en la más rebuscadamente elaborada hay cosas que me gustan y no. Por ejemplo...



Si escuchan este disco pensarán en Coolio, y aún en Ricky Martin, que dicho sea de paso no me disgusta. Pero ocurre que a Ricky Martin lo han pasado tanto por la radio, y lo plagian tanto, y se plagia a sí mismo tanto que resulta imposible escuchar otra vez la cancioncita de María sin imaginar fiestas aburridísimas con señoras rubias ya un poco penosas.

¿Lo que hacen estos japos es mejor? Es rap, es funk, es jazzrockito latino, es pop pular. Observen esas pintas: los japos saben estudiarse el mínimo detalle, son excelentes actores y pueden expresar una personalidad con una pincelada. Fíjense que ninguno de ellos está exagerando nada, podrían ir así por la calle...



Estos estilos son precisamente vulgares en el mejor sentido de la palabra. El álbum me divierte mucho, y si tuviera que musicalizar una fiesta creo que basta con poner esto para que sea dificilísimo dejar de bailar. Estoy comenzando las navidades con esto y no dejo de pensar que me voy a bailar algo. Permiso.

Fishtank Ensemble - Samurai over Serbia (2007)

Vamos a contar una historia de esas.

Había una vez y sigue habiendo un francés al que le gustaba viajar por ahí; un día vio pasar a una troupe de gitanos y se les unió sin pensárselo demasiado. Fabrice Martínez se llama el irresponsable ese. Viajando con los gitanos aprendió varias cosas, entre ellas a tocar el violín, y el folk tradicional gitano, que abarca desde los Balcanes hasta la península ibérica. Recorrió varios países, y una vez que llegó cierto momento de esos que no se sabe por qué, pero llegan, dijo "Me voy a california" y se fue.

Allí conoció a una mujer que se llama Ursula Knudsen, del tipo que verla le hace pensar a uno en cosas muy serias. Y oirla cantar... Mmmhhh... Ohhhhh... Ejem.



Junto a ella también conoció al acordeonista Aaron Seeman, al guitarrista Douglas Smolens, al percusionista Adam Stacy y a un intérprete del shamisen llamado Kevin Kmetz, otro americano (U.S.A. está produciendo muy buena música) que ganó un primer y un segundo premio en sendos concursos de shamisén en Japón, el único occidental hasta ahora en lograrlo.

Muy bien, todos estos iluminados por una afortunada magia coincidieron en una sala de conciertos llamada Fishtank, en Oakland. Charlaron, charlaron y parece que alguien dijo algo así como "Che, pintó concierto?", sugiriendo mandarse una zapada ahí mismo en cuanto la sala estuviera disponible. Sí, así sin ensayar, una zapada a ver qué dice el público...

En unos días se mandaron su divertida zapada, y parece que pasó algo medio raro. Claro, yo creo que con tanta historia de gitanos, japonerías, talento que se junta de repente y las piernas de Ursula... era como para que cualquier duende urbano se entusiasmara: parece que se encontraron tocando canciones que ni ellos mismos conocían, pero que salían totalmente fluidas. El público no creyó que fuera una zapada sino un concierto de tipos con mucha carrera juntos. Tanto como para que alguien les ofreciera grabar un disco, que hicieron en tres semanas.

No es el que se presenta aquí, pero valía la pena contar la historia. Como corresponde a músicos de verdad, y no a la pelotudez de los divitos y divitas penosos que nos venden los medios, Fishtank Ensemble es en realidad uno de los proyectos y puntos de encuentro de gente que participa en múltiples proyectos, muy lejos del comercio y muy cerca del amor a la música. Créanme que merecen ser conocidos y más.

La vocalista es otro hallazgo, canta en múltiples idiomas y múltiples sentidos, baja notas del cielo, y también las sube. Y por si hacía falta -que siempre hace- toca el violín, el banjolele (mezcla de banjo y ukelele), el theremin y el serrucho. Sí: el serrucho.

Y la banda traspasa la música balcánica, klezmer, flamenco, folk japonés, nórdico... todo envuelto con un talento que nos parece estar escuchando un género de toda la vida, por una banda de toda la vida.

Si alguien dejara un link en los comentarios, tendríamos que agradecérselo y no perder un minuto. Es tiempo ganado para nosotros, porque la vida es esto y lo demás es mentira.

Website: http://www.fishtankensemble.com/

David Tukhmanov - Po Volnye Moei Pamyat (1975)

Una joyita perdida. Imaginen la URSS en 1975, hacer música progresiva (que es lo que se llevaba en los ’70) no parece demasiado fácil en un estado dominado por burócratas de gusto seguramente conservador. Sin embargo la escena musical soviética, aunque desconocida en occidente, dio lugar a muy buenos músicos que fusionaron rock progresivo, jazz y clásica con estilos difíciles de comparar. David Fyodorovich Tukhmanov es uno de ellos, y éste álbum es una pequeña maravilla.


Calificado usualmente como “soviet rock”, esta música felizmente trasciende por completo el género. Se trata de un disco sorprendente, lleno de ritmos y melodías muy variadas en las que –contrariamente a lo que uno se esperaría– el “sonido ‘70” que es tan característico (y que a veces puede ponerse previsible y aburrido) no es tan fácil de reconocer, sólo en algunos pasajes uno piensa “sí, esto es seventies...”, pero si me dijeran que este álbum fue grabado ayer no me costaría nada creerlo.

Otra particularidad son las letras, un potaje compuesto por pasajes –en algunos casos creo que versiones libres– de Safo, Verlaine, Baudelaire, Nicolás Guillén (autor del poema cuya versión libre da nombre al disco), Shelley, Goethe, poesía medieval y también de algunos interesantes poetas rusos. Y no hay que temer lo que uno se esperaría frente a esta presentación (¡oh no! rock setentero culto, pretencioso, interminablemente conceptual, solos larguísimos... ajummmm...), por el contrario, el tono es absolutamente fresco.

El trabajo que se mandó David Tukhmanov, liderando su propio cuarteto, reuniendo vocalistas de varias bandas, seleccionando textos muy variados y aportando su propio talento, dio como resultado un disco delicioso, muy fácil de escuchar y al mismo tiempo sofisticado y elegante. El arte de tapa que ilustra la cubierta (también es importante esto en un disco) es muy bello, y creo que da una idea acertada de lo que uno se puede encontrar dentro.

En su momento fue un hit soviético, vendió 2,5 millones de copias y creo que aún hoy se pasa algún tema en las radios rusas. Una edición remasterizada de este álbum se hizo en 1997 y otra, creo, en 1984. En el archivo hay también una breve reseña del álbum que encontré en otro blog, pero realmente me parece que no le hace mucha justicia.

Como siempre, esperemos que alguien deje un link en los comentarios...

Formación:

Борис Пивоваров (Boris Pivovarov): guitarra
Давид Тухманов (David Tukhmanov): piano, órgano, sintetizador, piano eléctrico
Владимир Плоткин (Vladimir Plotkin): percusión
Аркадий Фельдбарг (Arkadiy Fel'dbarg): bajo, violín

Lista de temas (en el original ruso, con esforzada traducción debajo)

Я мысленно вхожу в Ваш кабинет (М. Волошин) М. Бади ("Арсенал")

Из сафо (VII век до н.э. , перевод В. Вересаева) Вокальная группа "Современник"

Из вагантов (XI - XIII вв. , перевод Л. Гинзбурга) Игорь Иванов ("Надежда")

Приглашение к путешествию (Ш. Бодлер , перевод И. Озеровой) А. Барыкин ("Самоцветы")

Доброй ночи (П. Б. Шелли) М. Бади ("Арсенал")

По волне моей памяти (Н. Гильен , перевод И. Тыняновой) В. Андрианов ("Лейся , песня")

Сентиментальная прогулка (П. Верлен , перевод А. Эфрон) С. Беликов ("Аракс")

Сердце моё , сердце (И. В. Гёте , перевод В. Левика) Вокальная группа "Добры молодцы"

Смятение (А. Ахматова) Л. Барыкина ("Надежда")

Посвящение в альбом (А. Мицкевич , перевод С. Кирсанова) Вокальная группа "Современник"

Entro mentalmente en tu cuarto. Maximilian Voloshin; Mehrdad Badi (del grupo Arsenal)

De Safo. Safo (s. VII a. C.). Traducción de V. Veresaeva; grupo vocal Sovremennik

Del Vagant (“vagants”, trovadores franceses, s. XI - XIII d.C.). Traducción de L. Ginzburga; Ígor Ivanov (del grupo Nadezhda)

Invitación al viaje. Ch. Baudelaire, traducción de I. Ozerovoj; A. Barykin (del grupo Samotsvet)

Buenas noches. P.B.Shelley; Mehrdad Badi (Arsenal)

Por las olas de mi memoria. Nicolás Guillén (“Agua del recuerdo”), traducción de I.Tynjanovoj; V. Andrianov (del grupo Leisya Pesnya)

Paseo sentimental. P.Verlaine, traducción de A. Efron; S. Belikov (del grupo Arax)

Corazón, mi corazón. J.W. von Goethe (“Neue Liebe, Neues Leben”), traducción de V.Levika; grupo vocal Dobr Molodts

Confusión. A. Ahmatova; L. Barykina (Nadezhda)

Dedicatoria del álbum. A. Mitskevich, traducción de S. Kirsanova; grupo vocal Sovremennik

Liv Moon - Double Moon (2009) o una voz en la cúspide

Si visitan su sitio web van a ver a una chica muy mona, delgadita, de apariencia tan casual como para que hasta ese peinado apenas desprolijo le quede precioso. Sin embargo es difícil retener esa imagen mientras se la oye cantar.

Nacida en Suecia de madre nipo-coreana y padre sueco-polaco, Akane Okamoto-Kaminski más conocida como Akane Liv es el alma del proyecto Liv Moon, cuyo primer album se presenta con placer.

Educada en Japón -qué raro-, logró entrar al Teatro Musical Takarazuka, en donde sólo entran mujeres y hasta ese momento japonesas. Seis años allí y bajo una disciplina bastante espartana pero fructífera, Akane salió lista para comerse el mundo.

Con un registro impresionante (cuatro ocatavas, dicen los que saben) Akane Liv es la voz principal de Liv Moon, y para los amantes de los géneros, podría clasificarse como "metal sinfónico", pero creo que es imposible encontrarle parangón (pienso en bandas como Mutyumu o Diablo Swing Orchestra, pero no muchas más), Akane Liv se atreve con todo, y en este álbum hay una versión de El Fantasma de la Opera que creo está a la altura de las mejores.

Además de este precioso trabajo que presentamos aquí, ha grabado otro de covers (Scream like a Woman - 2010) que sugiero buscar porque tampoco tiene desperdicio.

En suma: una maravilla; si alguien nos deja un link en los comentarios sugiero lo bajemos sin demora.

Liv Moon - Double Moon (2009)

Temas:

1.Hisui Nephrite
2.Getsuka
3.Double Moon
4.The Phantom of the Opera
5.Interlude - The River Of No Return
6.A Wish
7.Oto Nakisakebi
8.Azayaka ni
9.Interlude - Privileged
10.Wild Creatures
11.Escape
12.Time to Say Goodbye
13.Good Night
14.La Luna (Bonus Track)

Liv Moon, Formación:

Akane Liv - Voz
Tatsuya Nishiwaki - Teclados
Youichi "Cheesey" Éhirose - Bajo
Kozo Suganuma - Percusión
Akitoshi Kuroda - Guitarra

Akane Liv, web oficial: http://www.akaneweb.net/

Re ups!

Acabo de reparar algunos link rotos. No podía permitir que Jun Togawa o Koenjihyakkei quedaran fuera de alcance.

Aproveche ahora que mañana quién sabe...

Ryota Komatsu, tango nipoporteño

No estaría bien dejar el blog de un argentino sin un tanguito, aunque como siempre tira la niponfilia, vamos a presentar a un tanguero japonés: Ryota Komatsu.

Una forma de conocerlo es leer este reportaje, me gusta especialmente esta parte:

No recuerdo que mis padres me hayan hablado de música. Le cuento una historia privada. Hasta los diecinueve años yo no sabía realmente qué hacer con mi vida. Mi madre estaba tan preocupada que consultó con una adivina. Le dijo: "Llévelo a orar a la tumba de sus antepasados". Lo hice y a los pocos días me metí de lleno con el bandoneón. No sé si tuvo algo que ver, es algo misterioso.

La adivina parecía tener bastante ingenio: la tumba de los antepasados parece un excelente lugar para meditar sobre lo que uno quiere hacer de su vida. No creo que se trate de nada mágico, podría haber sido una excelente psicóloga.

El disco que voy a reseñar es Tangologue, en el que Ryota Komatsu interpreta todos los temas, algunos de autores argentinos y otros de autores japoneses, incluído él mismo (Spica Esquisse me gusta especialmente). Tiene mucho de piazzolesco incluso en los temas que no son de Piazzolla, pero no se trata de una lánguida imitación sino de recrear un estilo ya consagrado. Y Ryota Komatsu lo hace de manera muy solvente.

Los cambios de clima que propone llevan por un momento a pensar que estamos ante un concierto un poco avant garde y “raro” para los tangueros tradicionales, pero si “raro” es un defecto para los tradicionalistas, yo prefiero tener el oído atento a las novedades con la única y férrea condición de que me gusten.

Y por favor no me vengan con que si “eso es tango” o “no es tango” porque me aburro muchísimo.

Tangologue (2005 – Sony Bmg Europe)

1) Buenosaireando (Victor Lavallen)
2) Spica Esquisse (Ryota Komatsu)
3) Jealous Man (No Me Hagas Melancolico) (Yuji Toriyama)
4) Preparense (Astor Piazzolla)
5) Betochaplica (Hiroshi Kumata)
6) ¿Cómo? (Hiroshi Kumata)
7) El Ultimo Kurdo (Ramiro Gallo)
8) Made In Usa (Astor Piazzolla)
9) ¡Qué Falta De Respeto! (Hiroshi Kumata)
10) Encuentro Con Osvaldo Montes (Ryota Komatsu)
11) Sueño De Tango (Leopoldo Federico / Nicolas Ledesma)
12) De Norte A Sur (Victor Lavallen)
13) A La Sombra Del Fueye (Victor Lavallen)
14) Mi Fueye Querido (Leopoldo Federico)
15) Mezame (Masao Yagi)

¿Link en los comentarios...?

The Eccentric Opera - The Eccentric Opera

En primer lugar: estoy seguro de que esto no dejará indiferente a nadie sea cual sea el género que le guste al ocasional lector. Si le gusta la ópera... bien, yo no soy un experto en el asunto y no puedo juzgar con la menor autoridad, pero a mí me parece que estas chicas cantan muy bellamente.

"Estas chicas" son:

Nami Sagara, o la pelada que aparece en el disco, soprano y voz principal



Graduada en la Universidad Nacional de Bellas Artes de Tokio, dueña de una voz angélicamente potente y expresiva.

y Naoko Kakiage... jamás pensé que un escobillón podía ser tan sexy:



Naoko también se graduó en la misma universidad, es una exquisita segunda voz y además maneja los teclados, los sintetizadores, las computadoras y toda la parafernalia electro.

Un momento... ¿"parafernalia electro" dije? ¿No es que cantan ópera? Bien, es verdad que cantan ópera, algunos de sus discos no incluyen electrónica, pero este sí. Se trata de su disco debut, del año 1996, y me parece blasfemamente bello. Sé que los puristas pueden protestar, pero también estoy seguro de que The Eccentric Opera puede anonadar al oído más exigente.

No sólo por lo bien que cantan, no se trata de cantar ópera y poner "punch-punch" detrás, como han hecho tantos. Aquí se trata de una vocalización mágicamente cambiante, un pathos (si me perdonan el snobismo) vibrante combinado con una elegancia tecnológica apabullante. Los japoneses me convencen de que en el arte vale absolutamente todo y que la única regla maestra es algo tan volátil y contundente como el talento.

¿Gregorians? Olvídelos ¿Nina Hagen? Una gritona esforzada y gorda. Quizás el inmortal Klaus Nomi podría hacerles alguna sombra desde los '80... Pero The Eccentric Opera la rompe en mil pedazos.

El mejor momento del disco para mí es quizás Torna a Surriento, el italian-euro-lounge-pop que despliegan es cancherísimo (supercool en gringo), y Oh! Mio Babbino Caro mezcla el patetismo del original de Puccini con un electro frívolo totalmente desconcertante, todo al mismo maldito tiempo y sin perder cada cosa su carácter, a pesar de estar todo perfectamente ensamblado.

Quizás el Hallellujah y el Ave Maria sean -luego de haber escuchado todo el álbum- menos sorprendentes, pero de todas maneras no hay una sóla nota de más en toda la obra.

Para este album incorporaron al tenor Yutaka Kawasima, quien canta partes que yo al menos no había escuchado nunca cantadas por varones, aunque quizás sí existan antecedentes que yo no conozco.

Album: The Eccentric Opera
Editado en: 1996
Ref.: ESCB1779 - Epic/Sony Records

1 - CARO MIO BEN (G.Giordani)
2 - CARMEN : HABANERA "L'amour est un oiseau rebelle" de la ópera Carmen (G.Bizet)
3 - I WANDER AS I WANDER (John Jacob Niles)
4 - AMARILLI (G.Caccini)
5 - MADAM BUTTERFLY "Un bel di vedremo" de la ópera Madama Butterfly (G.Puccini)
6 - TORNA A SURRIENTO (Ernesto de Curtis - Giambattista de Curtis)
7 - THE QUEEN OF THE NIGHT "Der Holle Rache kocht IN meinem Herzen" de la ópera Die Zauberflote (W.A.Mozart)
8 - OH! MIO BABBINO caro de la ópera Gianni Schicchi (G.Puccini)
9 - HALLELUJAH del oratorio Messiah (G.F.Handel)
10 - AVE MARIA Ellens Gesang 3 op.52 -6, D839 (F.Schubert)

Link en los comentarios...?

FLiP - Haha Kara Umareta Hinekure no Uta

No, no somos punks, estamos hartas de eso. Sí, nos pusimos lo primero que encontramos ¿tenía que ser de otra forma? Sí, este lugar es tan bueno como cualquier otro. Sí, miramos para cualquier lado, sí, y yo me traje las llaves colgadas y no es un accesorio cool precisamente. Somos personas ¿sí?

Nosotras cantamos, nene.

Y dejá de mirar con esa cara, por favor.



Haha Kara Umareta Hinekure no Uta

1 DARTS
2 haha kara umareta hinekure no uta
3 aikyou warai
4 SING
5 yayoi no nijuukyuu

Diablo Swing Orchestra - Sing Along Songs for the Damned & Delirious

Una demoledora belleza. Continuando el trazo de la estela metaloide, aquí presentamos a unos suecos que hacen algo que muchos llaman Avant Garde Metal, otros Tech Extreme Prog Metal y demás volátiles nombretes. Ellos lo llaman Riot Opera (algo así como Opera en Rebelión, Opera Kilombera, qué se yo); yo... no puedo decir mucho. Sólo acotaría que no me suenan realmente avant garde, no encuentro demasiados recursos de ese tipo (predominio de cuerdas, escalas suspendidas apoyadas en medias notas); el avant garde, que puede ser excelso o aburridísimo, creo que es otra cosa… Igual mi opinión vale cero porque realmente no tengo formación musical.

Pero lo poco que valga no impide que se me cante escribirla: me parece que estos tipos son excelentes (cinco tipos y una mujer, como para que no me acusen de sexista y bla). Hablando de la mujer, es una vocalista que evidentemente ha hecho ópera y canta furibundamente bien sobre una mixtura de ritmos, texturas y melodías cuya base frecuente es el heavy, es cierto, pero eso es una mera excusa, un elegante guiño que hace de envoltorio para una mezcla de estilos maestrísimamente ejecutada, si perdonan la torpídea estramboticidad de mi pluma.

De hecho en la joyita que voy a presentar hay un pasaje que me encanta en el que estos dementes se mandan un ritmo tropical con guitarras demoledoramente pesadas que es una delicia.



Por si faltara algo, esta gente cultiva un perfil visual muy atractivo, con imágenes muy cuidadas; y hasta se inventaron su propia leyenda: al parecer se dicen descendientes de una banda medieval que desafió la prohibición de la iglesia de tocar música orquestal. Luego de una larga persecución, sabiendo que no tenían alternativa, prepararon un desafiante y majestuoso concierto antes de ser martirizados. Y parece que dejaron la posta a través de los siglos a estos muchachos, sus descendientes, que realmente tocan y cantan como si fuera la última vez. En alguna disquería de Estocolmo se toparon dos de ellos, que habían recibido una extraña carta con instrucciones para reunir a la Orquesta de los Diablos...

Andá a saber si es invento. Y además ¿qué es realidad y qué no?

Como sea, podría decir (y digo, qué tanto) que esta es una orquesta a la altura de las mejores bandas japonesas (estoy seguro que los DSO escucharon un rato largo la música que viene de allí), lo que ya es decir, y prueba que el secreto no está en los genes sino en la única aristocracia no manchada por la estúpida venalidad: la del talento.





Diablo Swing Orchestra - miembros:
Daniel Håkansson - Guitars
Ann-Louice Lögdlund - Vocals
Pontus Mantefors - Guitars, Synth
Andy Johansson - Bass
Johannes Bergion - Cello
Andreas Halvardsson - Drums

Sing Along Songs for the Damned & Delirious



1. A Tapdancer's Dilemma
2. A Rancid Romance
3. Lucy Fears The Morning Star
4. Bedlam Sticks
5. New World Widows
6. Siberian Love Affairs
7. Vodka Inferno
8. Memoirs Of A Roadkill
9. Ricerca Dell'anima
10. Stratosphere Serenade



¿Habrá link en los comentarios de nuestro anónimo benefactor?

Gostwind - Korean Rd (2006)

Bien, seguimos en Asia, pero esta vez la banda es surcoreana: Gostwind sacó su álbum Korean Rd (he visto el nombre "Korean Road" y la foto muestra efectivamente un camino, pero no sé si es correcto, la tapa del disco dice "Rd" nomás) en el año 2006 y me parece que se merece un lugar en este blog, deshilachado pero voluntarioso.

¿Estilo? Bueno, Gostwind es una banda de folk coreano con influencias metaleras... ¿O una banda metalera con influencias de folk coreano? Me parece que lo primero les queda mejor. El clima del álbum es bellamente épico, aunque obviamente no entiendo un pomo de lo que canta Gim Ran, vocalista que sazona una voz aniñada con un pathos absolutamente convincente. Es una voz dúctil y extraña, pero sobria, que no carece de variaciones si se escucha con atención. El único defecto -si es que es un defecto de la obra y no un vicio mío- es que todos los temas trasuntan un mismo clima. Pero vamos, es un clima excelente, creado por canciones excelentes cantadas de manera excelente, me dejo de joder.

Como para hablar más de la vocalista, está entrenada en un tipo de canto tradicional coreano llamado Pansori, que normalmente en el folk coreano incluye un tambor, una voz... y nada más. Gostwind agregan bajo, guitarra, batería y un Daegum especie de flauta traversa que hace un maridaje inesperadamente armónico con los riffs metal-hardrockeros.

Momentos cumbre (si se me permite acuñar una frase) del álbum me parecen la quinta canción Escape, y sin duda la muy solvente versión que hacen de Day of Wrath; sí, el famoso Dies Irae, himno latino que resultará familiar a los amantes de Mozart y a los católicos preconciliares (digo, que por ahí hay alguno leyendo). Como siempre ocurre con las buenas versiones, conocer el original acrecienta el placer.

En definitiva: una obra bella, disfrutable, ejecutada con mucho oficio y muy original. No les gustará a los metaleros ortodoxos, posiblemente tampoco a los amantes del folk coreano ortodoxos. Es que los ortodoxos son muy aburridos.

Gost Wind

Sello: Firebird/Universal Korea
País: Corea del Sur
Géneros: Llamémoslo Folk-Metal

Formación

Gim Ran: Voz
Gim Byeong-Chan: Guitarras
Na Hun-Ju: Bajo
Ryu Geun-Sang: Percusión
Gim Seung-Wu: Daegum

Korean Rd

Grabado en: Estudio
Fecha de salida: 2006-11-14
Sello: Firebird/Universal Korea
País: Corea del Sur
Tiempo: 40:20

Temas

1. Morning Calm (1:32)
2. Tears in Memory (4:56)
3. Korean Road (4:14)
4. Last Shine (4:03)
5. Escape (3:54)
6. Revolution (3:49)
7. Clone Love (4:22)
8. Crane Dance (4:22)
9. Day of Wrath (4:59)
10. Wing (4:09)

Esperamos siempre al generoso anónimo que deje un link en los comentarios, déeeeele...

Cicala Mvta - Ghost Circus (2009)

Maravilla de orquesta y maravilla de obra. Cicala Mvta (pronúnciese “Chicala muta”) es un proyecto fundado en 1994 por el eximio clarinetista (aunque toca también otros instrumentos) Wataru Okhuna. Participa de este proyecto otro monstruito conocido nuestro: Tatsuya Yoshida.

Observen primero el arte de tapa: estos tipos se preocupan por hacer bella TODA la obra, creo que hasta la etiqueta con el precio debe ser elegante.

¿Qué toca Cicala Mvta? El estilo se basa en un tipo de música que surgió a partir de la occidentalización que sufrió Japón durante la Era Meiji (s. XIX, primeras décadas del s. XX), que fue particularmente acentuada (no podía ser de otra manera si quería tener éxito) en el ejército. Así fue que las orquestas del Ejército Imperial Japonés comenzaron a tocar música occidental con instrumentos occidentales, lo que se empezó a considerar como “música culta”.

Ocurrió entonces que en los barrios populares surgieron bandas de música callejera que imitaban este sonido y sus instrumentos. Normalmente eran muy modestas y tocaban por encargo para animar inauguraciones de comercios y ferias. A este estilo se lo llamó “Ching Dong” (que es el título del primer álbum de Cicala Mvta). La música Ching Dong se consideraba una imitación ingenua y basta, con el desarrollo posterior del Japón poco faltó para que fuera olvidada.

Pero Wataru Okhuna demostró olfato estético al rescatar esta música. Reconocerán que el “sonido Cicala” recuerda mucho al de una banda circense o militar (que no curiosamente se parecen mucho). Pero los japos siempre van más allá: Wataru Okhuna percibió que este fenómeno no era exclusivo del Japón sino que otras muchas músicas populares del mundo compartían historias parecidas. Así que sobre esta base montó muchas otras texturas: klezmer, balcánica, turca, otros estilos japoneses como el rítmico de Okinawa, free jazz y más que mi ignorancia me impide reconocer. El resultado es... imposible de clasificar: todos los estilos están tan diestramente ensamblados que forman un nuevo sonido, el “sonido Cicala Mvta”, un regalo para el tímpano.

Este álbum es un ejemplo. No se esperen aquí golpes de efecto guau, ni volteretas extravagantes explícitas: todas las canciones “parecen” fáciles al oído, reconocibles, familiares. Y esto es porque son adivinen qué: agradables. Pero escuchando con atención uno realmente no descifra el género... o descifra demasiados, ya que hay de todo; algunas cosas suenan un poco arabescas, hay floreos jazzeros y también muy discretos toques electrónicos, algunos pocos coros operísticos al estilo Yoshida pero más sutiles que de costumbre (quizás si este álbum puede mejorar sería ofreciendo un poquito más de estas vocalizaciones, ya que es fundamentalmente instrumental); hay ritmos de vals y texturas latinas... qué sé yo, hay cualquier cosa, miren. Es de una compleja y elegante simplicidad, es bastante misterioso, es algo melancólico, y no le falta ese indispensable humor musical que lo hace único y personal.

Recomiendo escucharlo tranquilo, eso sí. No me parece que sea para el aparatito minúsculo que mete la música en la cabeza luchando contra el ruido del subte; así creo que no se apreciará demasiado. Yo lo escucho en casa mientras juego al ajedrez.

Hay también dos intervenciones que los hacen queribles además de admirables: uno de los temas es del chileno Sergio Ortega: The United People Will Never Be Defeated, vamos, que esto es decir en inglés que El Pueblo Unido Jamás Será Vencido; esta versión conserva los aires latinos del original traducidos al “lenguaje Cicala Mvta”.

Y luego claro: The Right to Live in Peace, preciosa versión jazzera-valsesca del bello tema que debemos a nuestro tan querido Victor Jara: El Derecho de Vivir en Paz, con el que además de romperme la cabeza con su talento conquistaron mi corazón. Leamos el comentario del amigo Wataru en su web:

On one hand I wanted to send the message of this song (and those of The Song of the Birds and The United People Will Never Be Defeated) to this idiotic and lukewarm time. While on the other hand, I feel it suffices just playing this simple and beautiful melody. It has a capacity for a long flight.

También hay una explicación respecto del nombre del grupo, que curiosamente es italiano:

It derives from the inscription on the epitaph of Soeda Azembo(1872～1944) ; a legendary street singer.

“ A CICALA-MVTA CHE CANTAVA E LA SVA MOGLIE CHE L' AMAVA ”
(The mute cicada that sang and his wife who loved him)

This is from the epitaph for Soeda Azembo (mute cicada) the greatest street singer-song-writer of popular music in Japan, before the 1920's --- the beginning of the days of mass culture. In those days the street-singers used to sing and sell the songbook on the street. And the incredible point is that before radio broadcast and SP records, his comical and sarcastic songs often became a mega-hit in the whole country. Also he is known to create the first modern protest song in the movement of the early socialists in Japan. His pen-name derives from the ironic humor that the "mute cicada" loudly sang ! But it was not humorous , that after the mid 1920's, the hard oppression of the militant totalitarism and the development of mass culture industry got him really mute.

En la web oficial del grupo van a encontrar además reseñas e informaciones más que interesantes.

En resumen: es un álbum delicioso. Lo muy recomiendo.

Y ya sé que no hay un mango, que seguramente no se consigue en Argentina y que importarlo debe sonar utópico para el bolsillo argento promedio. Pero para algunos que pueden sería una elección inteligente conservar el mismo teléfono celular de siempre, prescindir de las variopintas porquerías que comienzan con “i”, y gastar esa guita en los tres CD´s que sacó esta banda (y el cuarto que está por salir), de los que aseguro se disfruta cada nota.

01. Ghost Hymn Introduction
02. Pillow Walk
03. The United People Will Never Be Defeated
04. Stara Planina
05. The Sleep-Walker's Escape
06. Dr. Caligari's Side Show
07. Heraklion
08. Song Of The Birds
09. The Beam And The Bellows
10. The Right To Live In Peace
11. Ghost Requiem
12. Bonus

Wataru Okuma (clarinet, bass clarinet, vocals),
Yoshiyuki Kawaguchi (saxophone),
Yoshiki Sakurai (guitar),
Takero Sakijima (tuba, recorder),
Tatsuya Yoshida (drums, vocals),
Keisuke Ota (violin, vocals),
Yoshiaki Sato (accordion),
Yoichiro Kita (trumpet),
Akiko Watanabe (trombone),
Miwazo Kogure (ching-dong, gorosu)

¿Dejará alguien un link en los comentarios?

Anachro Clock - アナクロクロック

No confundirse con la imagen producida, no se trata de una bandita de pop pavitonto...

Japón es –a juicio de este par de tímpanos– el país en el que actualmente se hace la mejor y más variada música. Existen una impresionante cantidad de bandas y estilos, es difícil no encontrar una sutil calidad y una cantidad de recursos musicales apabullante. Es verdad que también tienen grupos que por lo menos a mí no me llaman demasiado la atención, y otros decididamente chotos, pero la cantidad de buenas bandas que hay es inmensa.

Los distintos estilos musicales en Japón suelen denominarse “kei”, que supongo deriva de la palabra inglesa “key” o clave.

Una de las características más interesantes de la música japonesa –me parece que de su cultura en general– es su falta de temor ante la imitación. La palabra “imitación” en las lenguas occidentales conlleva casi inevitablemente un significado negativo, nosotros presuponemos que toda imitación será necesariamente más pobre que el original. Sin ser un entendido en cultura japonesa me atrevo a arriesgar que para el japonés no es así: la impresionante facilidad con las que extraen las claves de estilo de cualquier género occidental les permite revitalizar géneros y fusionarlos para lograr efectos sorprendentes. El vals, el hard rock, cualquier música de las llamadas “étnicas”, el género melódico, el rock progresivo, la new wave ochentosa, el funk, el jazz en todas sus variantes, el pop azucarado… todo les sirve como materia y excusa para crear algo nuevo.

Imitar un estilo creado por otras culturas… y superarlo: hacer jazz mejor que los americanos, vals mejor que los europeos, superar a Frank Zappa en su propio terreno, son cosas que a un occidental no se le ocurren, esfuerzos que parecen imposibles. Bien, los japoneses lo logran, si no siempre, demasiadas veces como para no acercarse a husmear lo que hacen.

Ya hay muchos blogs de occidentales dedicados exclusivamente a la música que hacen estos monstruitos, y la diosa que preside el modesto templo musical del que escribe es Jun Togawa, intérprete casi desconocida en occidente que me parece llega donde pocos han llegado.

Lo que voy a presentar ahora es una banda de las llamadas “Visual Kei ”, estilo musicalmente demasiado amplio, que incluso no se define sólo desde el punto de vista musical sino también –lo indica el nombre– visual. Otra cosa que se aprende con los japoneses: hay poca distancia entre la música y el teatro. Algunos intelectos de este lado del mundo suelen despreciar el despliegue visual como superfluo, “extramusical”, mera excusa que olvida la música "pura", como si el arte pudiera ser "puro". Para un japonés se trata de una objeción incomprensible: si al fin y al cabo estamos haciendo arte no tiene sentido restringirse en los elementos de expresión. Eso sí: se trata de hacerlo bien, de ofrecer un espectáculo visual de calidad que acompañe una música cuidadamente hecha, y no una mera excusa “carismática” para ocultar la ramplonería o la falta de talento.

Desde el punto de vista musical el Visual Kei suele combinar elementos melódicos muy sentimentales que de pronto pueden devenir en cualquier cosa: riffs heavymetaleros, o bien alaridos punk con batería insistente, obscuridades góticas, distorsiones grunge… Esto en sus variantes más comunes, pero el grupo que voy a presentar es un grupo Visual Kei de estilo mucho más personal.

El grupete se llama Anachro Clock, trio de corta vida (2006-2008) que editó apenas dos mini albums de cinco y seis temas, y un single, que ofrezco todos aquí. Dolorosamente poco si se los escucha, porque su producción es de una belleza sorprendente. Estaba compuesto por dos chicas a cargo de guitarra y bajo, y un cantante (bah... lo supongo en realidad, los grupos Visual Kei suelen ser muy ambiguos en su apariencia). Lo que van a encontrar en estos discos es una bella colección de valsecitos rockeros originalísimos, algunos floreos piazzollanos (Mannaz – Uni He Mukau Suna), cuerdas clásicas, algo parecido al pop pero muy ecléctico, y un talento indiscutible.



Miembros:
Vocal: Shiki
Guitarra: Sin
Bajo: Maya
Status: Disuelta
Actividad: 2006~2008
En japonés: アナクロクロック

Los gustos musicales son variados, pero me atrevo a decir que poca gente que ame la música no pasará una hora más que agradable echándoles una oída. Sugiero prestar atención también a la belleza de los diseños de portada.



Hari Ga Ugoku, Sono Toki (2006.12.25) [ Album ]
Ref: N/A
Tracklist:
1. Chronos Ni Kyuusoku Wo
2. Shiro No Canvas
3. Ashita e No Tabi
4. Ryodan, Kaku Katariki
5. OTOSU MAHOU
6. Niji



Mannaz (2007.07.11) [ Single ]
Ref: N/A
Tracklist:
1. Umi he mukau suna
2. Boku ga kimi ni okuritai serifu
3. Yume ni egaita jibun
4. Hakoniwa no yoru (inst)



Shiro no canvas / Niji (2006.08.21) [ Single ]
Ref: N/A
Tracklist:
1. Shiro no canvas
2. Niji

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