FLiP - Haha Kara Umareta Hinekure no Uta

No, no somos punks, estamos hartas de eso. Sí, nos pusimos lo primero que encontramos ¿tenía que ser de otra forma? Sí, este lugar es tan bueno como cualquier otro. Sí, miramos para cualquier lado, sí, y yo me traje las llaves colgadas y no es un accesorio cool precisamente. Somos personas ¿sí?

Nosotras cantamos, nene.

Y dejá de mirar con esa cara, por favor.



Haha Kara Umareta Hinekure no Uta

1 DARTS
2 haha kara umareta hinekure no uta
3 aikyou warai
4 SING
5 yayoi no nijuukyuu

Diablo Swing Orchestra - Sing Along Songs for the Damned & Delirious

Una demoledora belleza. Continuando el trazo de la estela metaloide, aquí presentamos a unos suecos que hacen algo que muchos llaman Avant Garde Metal, otros Tech Extreme Prog Metal y demás volátiles nombretes. Ellos lo llaman Riot Opera (algo así como Opera en Rebelión, Opera Kilombera, qué se yo); yo... no puedo decir mucho. Sólo acotaría que no me suenan realmente avant garde, no encuentro demasiados recursos de ese tipo (predominio de cuerdas, escalas suspendidas apoyadas en medias notas); el avant garde, que puede ser excelso o aburridísimo, creo que es otra cosa… Igual mi opinión vale cero porque realmente no tengo formación musical.

Pero lo poco que valga no impide que se me cante escribirla: me parece que estos tipos son excelentes (cinco tipos y una mujer, como para que no me acusen de sexista y bla). Hablando de la mujer, es una vocalista que evidentemente ha hecho ópera y canta furibundamente bien sobre una mixtura de ritmos, texturas y melodías cuya base frecuente es el heavy, es cierto, pero eso es una mera excusa, un elegante guiño que hace de envoltorio para una mezcla de estilos maestrísimamente ejecutada, si perdonan la torpídea estramboticidad de mi pluma.

De hecho en la joyita que voy a presentar hay un pasaje que me encanta en el que estos dementes se mandan un ritmo tropical con guitarras demoledoramente pesadas que es una delicia.



Por si faltara algo, esta gente cultiva un perfil visual muy atractivo, con imágenes muy cuidadas; y hasta se inventaron su propia leyenda: al parecer se dicen descendientes de una banda medieval que desafió la prohibición de la iglesia de tocar música orquestal. Luego de una larga persecución, sabiendo que no tenían alternativa, prepararon un desafiante y majestuoso concierto antes de ser martirizados. Y parece que dejaron la posta a través de los siglos a estos muchachos, sus descendientes, que realmente tocan y cantan como si fuera la última vez. En alguna disquería de Estocolmo se toparon dos de ellos, que habían recibido una extraña carta con instrucciones para reunir a la Orquesta de los Diablos...

Andá a saber si es invento. Y además ¿qué es realidad y qué no?

Como sea, podría decir (y digo, qué tanto) que esta es una orquesta a la altura de las mejores bandas japonesas (estoy seguro que los DSO escucharon un rato largo la música que viene de allí), lo que ya es decir, y prueba que el secreto no está en los genes sino en la única aristocracia no manchada por la estúpida venalidad: la del talento.





Diablo Swing Orchestra - miembros:
Daniel Håkansson - Guitars
Ann-Louice Lögdlund - Vocals
Pontus Mantefors - Guitars, Synth
Andy Johansson - Bass
Johannes Bergion - Cello
Andreas Halvardsson - Drums

Sing Along Songs for the Damned & Delirious



1. A Tapdancer's Dilemma
2. A Rancid Romance
3. Lucy Fears The Morning Star
4. Bedlam Sticks
5. New World Widows
6. Siberian Love Affairs
7. Vodka Inferno
8. Memoirs Of A Roadkill
9. Ricerca Dell'anima
10. Stratosphere Serenade



¿Habrá link en los comentarios de nuestro anónimo benefactor?

Gostwind - Korean Rd (2006)

Bien, seguimos en Asia, pero esta vez la banda es surcoreana: Gostwind sacó su álbum Korean Rd (he visto el nombre "Korean Road" y la foto muestra efectivamente un camino, pero no sé si es correcto, la tapa del disco dice "Rd" nomás) en el año 2006 y me parece que se merece un lugar en este blog, deshilachado pero voluntarioso.

¿Estilo? Bueno, Gostwind es una banda de folk coreano con influencias metaleras... ¿O una banda metalera con influencias de folk coreano? Me parece que lo primero les queda mejor. El clima del álbum es bellamente épico, aunque obviamente no entiendo un pomo de lo que canta Gim Ran, vocalista que sazona una voz aniñada con un pathos absolutamente convincente. Es una voz dúctil y extraña, pero sobria, que no carece de variaciones si se escucha con atención. El único defecto -si es que es un defecto de la obra y no un vicio mío- es que todos los temas trasuntan un mismo clima. Pero vamos, es un clima excelente, creado por canciones excelentes cantadas de manera excelente, me dejo de joder.

Como para hablar más de la vocalista, está entrenada en un tipo de canto tradicional coreano llamado Pansori, que normalmente en el folk coreano incluye un tambor, una voz... y nada más. Gostwind agregan bajo, guitarra, batería y un Daegum especie de flauta traversa que hace un maridaje inesperadamente armónico con los riffs metal-hardrockeros.

Momentos cumbre (si se me permite acuñar una frase) del álbum me parecen la quinta canción Escape, y sin duda la muy solvente versión que hacen de Day of Wrath; sí, el famoso Dies Irae, himno latino que resultará familiar a los amantes de Mozart y a los católicos preconciliares (digo, que por ahí hay alguno leyendo). Como siempre ocurre con las buenas versiones, conocer el original acrecienta el placer.

En definitiva: una obra bella, disfrutable, ejecutada con mucho oficio y muy original. No les gustará a los metaleros ortodoxos, posiblemente tampoco a los amantes del folk coreano ortodoxos. Es que los ortodoxos son muy aburridos.

Gost Wind

Sello: Firebird/Universal Korea
País: Corea del Sur
Géneros: Llamémoslo Folk-Metal

Formación

Gim Ran: Voz
Gim Byeong-Chan: Guitarras
Na Hun-Ju: Bajo
Ryu Geun-Sang: Percusión
Gim Seung-Wu: Daegum

Korean Rd

Grabado en: Estudio
Fecha de salida: 2006-11-14
Sello: Firebird/Universal Korea
País: Corea del Sur
Tiempo: 40:20

Temas

1. Morning Calm (1:32)
2. Tears in Memory (4:56)
3. Korean Road (4:14)
4. Last Shine (4:03)
5. Escape (3:54)
6. Revolution (3:49)
7. Clone Love (4:22)
8. Crane Dance (4:22)
9. Day of Wrath (4:59)
10. Wing (4:09)

Esperamos siempre al generoso anónimo que deje un link en los comentarios, déeeeele...

Cicala Mvta - Ghost Circus (2009)

Maravilla de orquesta y maravilla de obra. Cicala Mvta (pronúnciese “Chicala muta”) es un proyecto fundado en 1994 por el eximio clarinetista (aunque toca también otros instrumentos) Wataru Okhuna. Participa de este proyecto otro monstruito conocido nuestro: Tatsuya Yoshida.

Observen primero el arte de tapa: estos tipos se preocupan por hacer bella TODA la obra, creo que hasta la etiqueta con el precio debe ser elegante.

¿Qué toca Cicala Mvta? El estilo se basa en un tipo de música que surgió a partir de la occidentalización que sufrió Japón durante la Era Meiji (s. XIX, primeras décadas del s. XX), que fue particularmente acentuada (no podía ser de otra manera si quería tener éxito) en el ejército. Así fue que las orquestas del Ejército Imperial Japonés comenzaron a tocar música occidental con instrumentos occidentales, lo que se empezó a considerar como “música culta”.

Ocurrió entonces que en los barrios populares surgieron bandas de música callejera que imitaban este sonido y sus instrumentos. Normalmente eran muy modestas y tocaban por encargo para animar inauguraciones de comercios y ferias. A este estilo se lo llamó “Ching Dong” (que es el título del primer álbum de Cicala Mvta). La música Ching Dong se consideraba una imitación ingenua y basta, con el desarrollo posterior del Japón poco faltó para que fuera olvidada.

Pero Wataru Okhuna demostró olfato estético al rescatar esta música. Reconocerán que el “sonido Cicala” recuerda mucho al de una banda circense o militar (que no curiosamente se parecen mucho). Pero los japos siempre van más allá: Wataru Okhuna percibió que este fenómeno no era exclusivo del Japón sino que otras muchas músicas populares del mundo compartían historias parecidas. Así que sobre esta base montó muchas otras texturas: klezmer, balcánica, turca, otros estilos japoneses como el rítmico de Okinawa, free jazz y más que mi ignorancia me impide reconocer. El resultado es... imposible de clasificar: todos los estilos están tan diestramente ensamblados que forman un nuevo sonido, el “sonido Cicala Mvta”, un regalo para el tímpano.

Este álbum es un ejemplo. No se esperen aquí golpes de efecto guau, ni volteretas extravagantes explícitas: todas las canciones “parecen” fáciles al oído, reconocibles, familiares. Y esto es porque son adivinen qué: agradables. Pero escuchando con atención uno realmente no descifra el género... o descifra demasiados, ya que hay de todo; algunas cosas suenan un poco arabescas, hay floreos jazzeros y también muy discretos toques electrónicos, algunos pocos coros operísticos al estilo Yoshida pero más sutiles que de costumbre (quizás si este álbum puede mejorar sería ofreciendo un poquito más de estas vocalizaciones, ya que es fundamentalmente instrumental); hay ritmos de vals y texturas latinas... qué sé yo, hay cualquier cosa, miren. Es de una compleja y elegante simplicidad, es bastante misterioso, es algo melancólico, y no le falta ese indispensable humor musical que lo hace único y personal.

Recomiendo escucharlo tranquilo, eso sí. No me parece que sea para el aparatito minúsculo que mete la música en la cabeza luchando contra el ruido del subte; así creo que no se apreciará demasiado. Yo lo escucho en casa mientras juego al ajedrez.

Hay también dos intervenciones que los hacen queribles además de admirables: uno de los temas es del chileno Sergio Ortega: The United People Will Never Be Defeated, vamos, que esto es decir en inglés que El Pueblo Unido Jamás Será Vencido; esta versión conserva los aires latinos del original traducidos al “lenguaje Cicala Mvta”.

Y luego claro: The Right to Live in Peace, preciosa versión jazzera-valsesca del bello tema que debemos a nuestro tan querido Victor Jara: El Derecho de Vivir en Paz, con el que además de romperme la cabeza con su talento conquistaron mi corazón. Leamos el comentario del amigo Wataru en su web:

On one hand I wanted to send the message of this song (and those of The Song of the Birds and The United People Will Never Be Defeated) to this idiotic and lukewarm time. While on the other hand, I feel it suffices just playing this simple and beautiful melody. It has a capacity for a long flight.

También hay una explicación respecto del nombre del grupo, que curiosamente es italiano:

It derives from the inscription on the epitaph of Soeda Azembo(1872～1944) ; a legendary street singer.

“ A CICALA-MVTA CHE CANTAVA E LA SVA MOGLIE CHE L' AMAVA ”
(The mute cicada that sang and his wife who loved him)

This is from the epitaph for Soeda Azembo (mute cicada) the greatest street singer-song-writer of popular music in Japan, before the 1920's --- the beginning of the days of mass culture. In those days the street-singers used to sing and sell the songbook on the street. And the incredible point is that before radio broadcast and SP records, his comical and sarcastic songs often became a mega-hit in the whole country. Also he is known to create the first modern protest song in the movement of the early socialists in Japan. His pen-name derives from the ironic humor that the "mute cicada" loudly sang ! But it was not humorous , that after the mid 1920's, the hard oppression of the militant totalitarism and the development of mass culture industry got him really mute.

En la web oficial del grupo van a encontrar además reseñas e informaciones más que interesantes.

En resumen: es un álbum delicioso. Lo muy recomiendo.

Y ya sé que no hay un mango, que seguramente no se consigue en Argentina y que importarlo debe sonar utópico para el bolsillo argento promedio. Pero para algunos que pueden sería una elección inteligente conservar el mismo teléfono celular de siempre, prescindir de las variopintas porquerías que comienzan con “i”, y gastar esa guita en los tres CD´s que sacó esta banda (y el cuarto que está por salir), de los que aseguro se disfruta cada nota.

01. Ghost Hymn Introduction
02. Pillow Walk
03. The United People Will Never Be Defeated
04. Stara Planina
05. The Sleep-Walker's Escape
06. Dr. Caligari's Side Show
07. Heraklion
08. Song Of The Birds
09. The Beam And The Bellows
10. The Right To Live In Peace
11. Ghost Requiem
12. Bonus

Wataru Okuma (clarinet, bass clarinet, vocals),
Yoshiyuki Kawaguchi (saxophone),
Yoshiki Sakurai (guitar),
Takero Sakijima (tuba, recorder),
Tatsuya Yoshida (drums, vocals),
Keisuke Ota (violin, vocals),
Yoshiaki Sato (accordion),
Yoichiro Kita (trumpet),
Akiko Watanabe (trombone),
Miwazo Kogure (ching-dong, gorosu)

¿Dejará alguien un link en los comentarios?

Anachro Clock - アナクロクロック

No confundirse con la imagen producida, no se trata de una bandita de pop pavitonto...

Japón es –a juicio de este par de tímpanos– el país en el que actualmente se hace la mejor y más variada música. Existen una impresionante cantidad de bandas y estilos, es difícil no encontrar una sutil calidad y una cantidad de recursos musicales apabullante. Es verdad que también tienen grupos que por lo menos a mí no me llaman demasiado la atención, y otros decididamente chotos, pero la cantidad de buenas bandas que hay es inmensa.

Los distintos estilos musicales en Japón suelen denominarse “kei”, que supongo deriva de la palabra inglesa “key” o clave.

Una de las características más interesantes de la música japonesa –me parece que de su cultura en general– es su falta de temor ante la imitación. La palabra “imitación” en las lenguas occidentales conlleva casi inevitablemente un significado negativo, nosotros presuponemos que toda imitación será necesariamente más pobre que el original. Sin ser un entendido en cultura japonesa me atrevo a arriesgar que para el japonés no es así: la impresionante facilidad con las que extraen las claves de estilo de cualquier género occidental les permite revitalizar géneros y fusionarlos para lograr efectos sorprendentes. El vals, el hard rock, cualquier música de las llamadas “étnicas”, el género melódico, el rock progresivo, la new wave ochentosa, el funk, el jazz en todas sus variantes, el pop azucarado… todo les sirve como materia y excusa para crear algo nuevo.

Imitar un estilo creado por otras culturas… y superarlo: hacer jazz mejor que los americanos, vals mejor que los europeos, superar a Frank Zappa en su propio terreno, son cosas que a un occidental no se le ocurren, esfuerzos que parecen imposibles. Bien, los japoneses lo logran, si no siempre, demasiadas veces como para no acercarse a husmear lo que hacen.

Ya hay muchos blogs de occidentales dedicados exclusivamente a la música que hacen estos monstruitos, y la diosa que preside el modesto templo musical del que escribe es Jun Togawa, intérprete casi desconocida en occidente que me parece llega donde pocos han llegado.

Lo que voy a presentar ahora es una banda de las llamadas “Visual Kei ”, estilo musicalmente demasiado amplio, que incluso no se define sólo desde el punto de vista musical sino también –lo indica el nombre– visual. Otra cosa que se aprende con los japoneses: hay poca distancia entre la música y el teatro. Algunos intelectos de este lado del mundo suelen despreciar el despliegue visual como superfluo, “extramusical”, mera excusa que olvida la música "pura", como si el arte pudiera ser "puro". Para un japonés se trata de una objeción incomprensible: si al fin y al cabo estamos haciendo arte no tiene sentido restringirse en los elementos de expresión. Eso sí: se trata de hacerlo bien, de ofrecer un espectáculo visual de calidad que acompañe una música cuidadamente hecha, y no una mera excusa “carismática” para ocultar la ramplonería o la falta de talento.

Desde el punto de vista musical el Visual Kei suele combinar elementos melódicos muy sentimentales que de pronto pueden devenir en cualquier cosa: riffs heavymetaleros, o bien alaridos punk con batería insistente, obscuridades góticas, distorsiones grunge… Esto en sus variantes más comunes, pero el grupo que voy a presentar es un grupo Visual Kei de estilo mucho más personal.

El grupete se llama Anachro Clock, trio de corta vida (2006-2008) que editó apenas dos mini albums de cinco y seis temas, y un single, que ofrezco todos aquí. Dolorosamente poco si se los escucha, porque su producción es de una belleza sorprendente. Estaba compuesto por dos chicas a cargo de guitarra y bajo, y un cantante (bah... lo supongo en realidad, los grupos Visual Kei suelen ser muy ambiguos en su apariencia). Lo que van a encontrar en estos discos es una bella colección de valsecitos rockeros originalísimos, algunos floreos piazzollanos (Mannaz – Uni He Mukau Suna), cuerdas clásicas, algo parecido al pop pero muy ecléctico, y un talento indiscutible.



Miembros:
Vocal: Shiki
Guitarra: Sin
Bajo: Maya
Status: Disuelta
Actividad: 2006~2008
En japonés: アナクロクロック

Los gustos musicales son variados, pero me atrevo a decir que poca gente que ame la música no pasará una hora más que agradable echándoles una oída. Sugiero prestar atención también a la belleza de los diseños de portada.



Hari Ga Ugoku, Sono Toki (2006.12.25) [ Album ]
Ref: N/A
Tracklist:
1. Chronos Ni Kyuusoku Wo
2. Shiro No Canvas
3. Ashita e No Tabi
4. Ryodan, Kaku Katariki
5. OTOSU MAHOU
6. Niji



Mannaz (2007.07.11) [ Single ]
Ref: N/A
Tracklist:
1. Umi he mukau suna
2. Boku ga kimi ni okuritai serifu
3. Yume ni egaita jibun
4. Hakoniwa no yoru (inst)



Shiro no canvas / Niji (2006.08.21) [ Single ]
Ref: N/A
Tracklist:
1. Shiro no canvas
2. Niji

Como siempre, si alguien quiere dejar un link en los comentarios...

Trío Argentino de Bajos - El orden de los bajos no altera el producto

Recomiendo bajarse esto con premura y sin tardanza. Antes de escuchar esta obra la parte más estrecha y escéptica de mi espíritu -hay que admitir todo- frunció la nariz y dijo:

- El nombre del álbum no es muy creativo.
- "Argentino" no es una definición musical.
- ¿Qué se puede hacer con sólo tres bajos? Seguro que son avantgardescamente aburridos.

Torpe de mí.

Un cosquilleo de satisfacción nacionalista-futbolera (también un poquito tonto, pero ¿por qué privarse de ese placer sentimental?) es lo que se siente al saber que:

- Esta obra está entre las más bellas, versátiles y elegantes que pude oir en mucho tiempo.
- Es sorprendente lo variado que puede ser un trío de bajos.
- Esta música tiene un sabor argento inconfundible, y es disfrutable por cualquiera que guste de la música. Como siempre: lo nacional, cuando bueno, es universal.

No sé mucho de ellos, pero sé que han tocado en Buenos Aires, y recomiendo a cualquiera que vaya a verlos. En esta obra el Trío Argentino de Bajos ejerce la evocación con delicada naturalidad, crea atmósferas placenteras que lo hacen apto para cualquier ambiente y al mismo tiempo está lleno de detalles y recursos musicales que permiten quedarse sentado simplemente prestando atención a cada nota.

Las cuerdas de los bajos son protagonistas, claro. Acústicas, electrónicas, amplias, profundas, ligeras... provocan sorpresas varias sin chocar nunca al oyente. Nuevamente: cuesta creer que son sólo tres bajos. Hay guiños múltiples, pero no guiños tontitos sino vueltas sorprendentes que nunca caen en la fatigante demostración técnica (mirá qué bien que toco) sino que la habilidad brilla precisamente por su discreto servicio a la belleza.

Como rata por tirante es una delicia de boogie jazz, y el último tema rompe la cabeza, pero no se puede decir con exactitud qué es lo que tocan... Y eso es lo mejor ¿Nu jazz? ¿New age? ¿Hot club? ¿Post rock? ¿Milonga? Aunque parezca mentira los tipos tocan todo eso con sólo tres bajos, y al mismo tiempo el álbum es redondamente compacto; la variedad de estilos sorprende precisamente porque la forma es una bonita excusa para algo más, y ese algo más es lo que atrapa.

Dense un tiempo para disfrutarlo, pónganlo en medio de una conversa con amigos, escúchenlo con la mujer que aman, o con la que quieren amar, fúmense un cigarro, pásenla bien.

Nada, escribo demasiado, bájense esto que es gratis y vale mucho.

Download

http://www.myspace.com/eltrioargentinodebajos
http://www.hispasonicos.com/trioargentinodebajos
http://clinicalarchives.blogspot.com/2009/03/ca230-trio-argentino-de-bajos-el-orden.html

Futbol - Mas Bambino que Nunca

Buenísimo álbum de esta banda argentina que muestra un sentido musical muy especial. Tiene algunos momentos en los que suena como rock progresivo, pero la mezcla de violines avant-garde con ciertos recursos le dan un aire porteño afiladamente melancólico, si es que eso es posible.

Sobre todo me encanta la utilización de una melodía de dibujito animado cuyo último pasaje se convierte a fuerza de repetición en un efecto sonoro oxidado muy apropiado para pasajes de bajo muy atmosféricos. Se trata de un laburo más que nada instrumental, pero con algunos pasajes cantados (o más bien recitados) con acidez e irónica rabia.

Un álbum de puta madre, bah. La lista de temas promete. Y no defrauda:

1. Baz Brown
2. Madre
3. Astronautas I & II Abalos
4. Look The Disco
5. Elio Rossi
6. Aldo Pastur
7. El Corto Morzillo
8. Bud Spencer
9. Alumniestrella
10. El Abominable
11. M. Coch
12. Metalero
13. Nil Roque Chagas
14. Jorge Montes
15. Movil al Movil
16. Isaac “Bigote” Scliar (El Hombre Signado por el Infortunio)

Los integrantes de FUTBOL son: Juan Pablo Gambarini: Guitarra y sintetizadores,Federico Terranova: Bajo y violin y Santiago Douton: Bateria y voz, ellos se sumaron en este disco Invitados: Maximiliano Wille: Percusión; Federico Landaburu: Clarinete bajo; Nili Grieco: Flauta; Cecilio Martinez: Cello; Primo Zanazzi: Viola. Contacto con la banda futbolenvivo@hotmail.com.

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...y disfrutenlón!