Aion - Absolute (1994)

A heavy wonder. Romantic cries, warrior fire, urban rock, sticky-sweet moments followed by raging horse rides. Aion is a band starting on '83, one of the most influential (as far as I know at least) on the visual kei Japanese scene. And if not, so they deserve since among so many visual kei bands (maybe the music genre producing more bands... er... Or is it maybe that so many bands produce the music genre?) there are a lot of good ones, but being a so performed style some repetition, even some incompetence is fatally expected.



Not to metion Western glam-metal. Consider at that time Twisted Sisters were already on the scene, not that I don't like them since they were a decent band, but compared to these boys they seem some clumsy smalltown drag-queens.

What delights me is what I consider that typically Japanese disctintive feature: going for it all. Putting tons of energy on each note and at the same time caring about the details, being refined. Neither pretty doll voice nor dumb bawling, just top both power and quality. The band all is wildly precise, spontaneously sophisticated.

Now some curious proof that the artist is in the game, in the details and chumming up with the kinky music-lover listener that likes to taste each note. Here I'll propose some game: before carrying on with this post, listen to Aita, the fifth track. Something funny is lurking on that song and the challenge is to notice it.

OK now? I warn you the spoiler comes: in 1:54 the riding slows down to start an instrumental passage, then the drums speed up galloping again and the guitar solo starts. Strings seem kind of gooey (many Japanese guitar players can be noticed by some disctintive sound touch, performed with an always careful technique) but flawlessly rocker, powerful, ultra-speedy, hipnotic... So hipnotic the naughty guy decides to play a prank: pay full attention from 2:42 on, the guitar performs the notes of... Mickey Mouse Club March!

It's just a seven seconds glimpse, until 2:49. He hides and twists the notes almost out of shape, but after careful listen it's unmistakeble. I swear I'm not crazy, please check it, that's phukin' Mickey Mouse March chorus! He plays the complete verse and in the end wraps the last note into a psychedelic spiral to drift again into rock'n'roll.

I know, maybe all this is foolish; but probably foolishness delights me. The hell of an album; metal lovers should not skip it, neither those free of prejudice, ready to enjoy voice and instruments listeners.

(as for several others, credit for this discovery should be given to www.voodovault.blogspot.com, a fantastic cultural project)

-o-

Maravillosidad heavy. Alaridos románticos, ardor guerrero, rock urbano, momentos melosos seguidos de cabalgatas furiosas. Aion es una banda que comenzó en el '83, una de las más influyentes (dicen, qué se yo) de la escena visual kei japonesa. Y si no lo fueran merecerían serlo porque entre las numerosas bandas visual kei (debe ser el género que en Japón produce más bandas... mmmhhh... ¿o son muchas las bandas que producen el género?) hay muchas muy buenas, pero siendo un estilo tan concurrido es inevitable algo de repetición y también de ineptitud, admitamos.

Esto para no hablar del glam-metal occidental. Pensemos que para esa época ya tocaba Twisted Sisters, y no es que uno tenga nada contra ellos, eran una banda decente, pero en la comparación con estos nenes parecen unas desmañadas drag queens de pueblo chico.

Lo que me gusta es eso que me parece tan japonés: ir por todo. Dejarse la vida en cada nota y al mismo tiempo practicar el detalle, ser exquisito. Nada de cantar como una muñequita, ni de pegar berridos bobetas, no: al mango y con calidad. Toda la banda es salvajemente precisa, espontáneamente sofisticada.

Ahora veamos algo curioso que prueba que el artista está en el juego, en el detalle y la complicidad con el melómano que escucha perversamente cada nota. Propongo un juego: antes de seguir leyendo escuchar el quinto tema, Aita. Hay algo gracioso oculto en ese tema y la idea es notarlo.

¿Ya está? Ojo que aquí viene el spoiler: en el momento 1:54 la cabalgata desacelera para dar lugar a una parte instrumental, la batería toma carrera, galopa e introduce el solo de guitarra. Las cuerdas suenan un poco "gomosas" (muchos guitarristas japoneses le dan a su sonido un toque propio, dentro de una técnica siempre cuidada) pero el solo es impecablemente rockero, poderoso, velocísimo, hipnótico... Tan hipnótico que el guacho del guitarrista se decide a hacer una broma: presten atención justo en el momento 2:42, la guitarra ejecuta las notas de... ¡la marcha del Club de Mickey Mouse!

Es un mero destello de siete segundos, hasta 2:49. Esconde las notas, las retuerce y deforma, pero si se escucha con atención es clarísimo. Juro que no estoy loco, sugiero comprobarlo ¡Es el estribillo de la phuckin' marcha de Mickey Mouse! Hace la estrofita completa y envuelve la nota final en una espiral psicodélica para escapar de nuevo hacia el rock.

Ustedes me dirán que es una tontería, y es que probablemente tonterías así me maravillen. Un álbum de puta madre, amantes del metal no pueden pasarlo por alto y gente libre de prejuicios, con oído para la voz y los instrumentos tampoco.



Banda: Aion
Album: Absolute
Año: 1994

01 - Anguished Heroes
02 - Elegant Fear
03 - Last Serenade
04 - The Body Inside
05 - Astia
06 - Still
07 - High Flying Shadow
08 - Missing
09 - Demoniac Insanity
10 - Peter (The Seventh Movement Of Eternity)

(como muchos álbumes, el descubrimiento de este se agradece a voodoovault.blogspot.com, a esta altura un proyecto cultural fantástico)

Gal Costa - Gal - 1969

If it hadn't that beautiful cover art, so sixties and tropicalist, I would believe this album was recorded yesterday.

Second Gal Costa solo album (don't confuse it with the first: Gal Costa), and according to what my ears say to my brain, her best. It's a pity she did not pursue this way, being the rest of her career developed in a somehow more conventional style; not bad at all since she's a superb singer, but a little bit too predictable to my taste.

Not this album though. Her voice here fantastically wanders around: she screams, uses high-pitch magical falsetto and explodes in an almost punk joy (in 1969!), but always in a perfect synchronicity with exquisite psychedelic arrangements, overlapped rythms, fine electronic experimental textures and that crazy creative mood that makes this album become what I call "a japanese album", one that can perfectly match the standard set by modern Japanese musicians.

Here you'll find arab sounds, metallic riffs, three-dimensional atmospheres with hypnotic echoes and curiously just a little or nothing of the predictable sixties' psy sound; everything is craftily refurbished so that this album becomes timeless. Maybe this is Rogerio Duprat's touch, a Brazilian musician who pioneered in computer and electronic sounds, one of the tropicalist gurus along with Caetano Veloso and Gal Costa herself, who wiped out the boundaries between the labels "cultured" and "popular" music.

I wouldn't recommend this to those Gal Costa's more known songs followers, it gives not (and I repeat I deem it a pity) an idea of her global style. But surprisingly, if you like for instance one of those Boredoms' parallel projects (Grind Orchestra, Z-Rock Hawaii or wacky things like those) then surely you wouldn't think an early sixties tropicalist album would bear any resemblance... Well: it does.

Swallow it with a sip of caipirinha anyway!



Si no fuera por el bello arte de tapa, bien sesentero y tropicalista me creería que este álbum -de 1969- fue grabado ayer.

Segundo álbum de Gal Costa como solista -no confundir con el primero Gal Costa- y según lo que mis oídos le transmiten a mi cerebro, el mejor. Es una pena que el resto de la carrera de Gal Costa se haya decantado por un estilo que no está nada mal ya que es una soberbia cantante, pero para mí gusto un poco demasiado convencional.

Este álbum no. Gal Costa aquí hace unos paseos vocales fantásticos: grita, chilla, usa falsetes mágicos y explota con una furiosa alegría casi punk (¡en 1969!), pero en perfecta sincronía con unos arreglos psicodélicos exquisitos, superposiciones rítmicas, experimentación electrónica fina y una creatividad que hacen de este álbum lo que llamo "un álbum japonés", a la altura del mejor standard que para mí han establecido los músicos japoneses contemporáneos.

Hay sonidos árabes, riffs metaleros, atmósferas tridimensionales con ecos hipnóticos, y curiosamente muy poco o nada de lo que uno esperaría de la psicodelia sesentera original, todo está tan reelaborado como para que este disco no tenga realmente época. Posiblemente se trate del toque dado por Rogerio Duprat, un brasileño pionero en la música electrónica, gurú del tropicalismo brasileño junto a Caetano y la propia Gal Costa; quien demostró que las definiciones "música culta" y "música popular" realmente no significan demasiado.

No lo recomendaría para quienes deseasen el "sonido Gal Costa" más conocido; no da -y repito que para mí es una lástima- una idea global de su estilo. Pero sorprendentemente, si a Ud. le gusta por ejemplo alguno de esos proyectos paralelos de los Boredoms (Grind Orchestra, Z-Rock Hawaii o chifladuras por el estilo) seguramente no pensará que uno de los primeros álbumes de una cantante brasileña tropicalista en los '60 pueda ser algo comparable... Bueno: es.

De todos modos, empújeselo con una caipira.

Gal Costa - Gal - 1969

1. Cinema Olympia
2. Tuareg
3. Cultura E Civilização
4. País Tropical
5. Meu Nome É Gal
6. Com Medo, Com Pedro
7. The Empty Boat
8. Objeto Sim, Objeto Não
9. Pulsars E Quasars

Sumo - Obras Cumbres (2001)

Bueno, este post va en inglés, porque en Argentina ¿quién no los conoce?

Talking about Sumo is impossible without mentioning its leader (though I think he would rather not like that term): Luca Prodan. Luca was born in Italy, with a mix of Scottish, Turkish, Italian and Austrian ascendance. He wandered around many countries and situations, coming from a very wealthy family, passing by a very posh school in England, rubbing elbows with "important" people (such as prince Charles), and finally getting sick of it all and arriving to Argentina in the middle '70s, flying from his addiction to heroin, as he many times pointed out.

In the '80s some crazy band started to perform gigs at several underground pubs in Buenos Aires and nearbies. It was a time of regained freedom for underground culture after eight years of brutal military dictatorship, so young people were in the search of new sounds. But as most of the pop & rock music came from outside, we Argentinians developped some kind of stupid prejudice towards the music made by local bands, rating it as a mere copy of foreign rock & pop. It would be true in many cases... but not in this one. Curiously, Sumo was not a typical "Argentinian rock" band, Luca laughed at the rock nacional label, full of pretentious and boring "geniuses".



Sumo was an incredible band, performing a colorful palette of sounds: reggae, rock, punk, blues, ska, disco, new wave and also many experimental songs, all with Luca's distinctive charisma. He brought all his experiences in the '70s alternative British music scene and fueled the band with them.

Some stiffy necks stated Luca did not sing well, that he was a mere junkie drunkard set out to scare old ladies with his bald head and loud voice. Sad lack of musical sensitivity in my humble opinion. Listen to Sumo and you will hear a lot of musical styles performed by a precise and talented set of musicians, multiple rythms full of energy as well as cool atmospheres, and Luca's expressive voice singing in English or Spanish (with a funny Italian accent) lyrics full of edgy irony, delirious humor sense and sheer perception.

Many of Sumo's songs became hits in Argentinian FMs, and were danced all accross the country since they are no less than smashing songs. Their first hit was La Rubia Tarada (The Stupid Blonde) which surely will make your head nod and nod and nod; followed by other remembered songs like Debede, with its furious "disco baby disco" chorus, or Los Viejos Vinagres (you may translate it as Cranky Old Men). But I personally prefer some other songs, like Estallando desde el Océano (Bursting Out of the Ocean), a catchy surrealistic road rock fantasy growing into an anthem that always makes me want to go full speed with a car "down in the pampas". Or Hello Frank, try to listen to that without a grin.

Sometimes Sumo becomes plainly experimental: Cinco Magníficos is a song that gives voice to different characters, Argentinian inhabitants, who talk about themselves in an odd atmosphere... you can perceive some avant-gardish hue there; or Abasto, a dreamy song describing (the best description you may ever get) a morning in the popular Buenos Aires' Abasto quarter. Or Banderitas y Globos (Little Flags and Balloons), a kind of delirious trip with wonderfully uncomfortable scales. You also will perceive the typical eighties' dreamy echoing saxo sound, oi ska, furious punk, catchy blues, all wonderfully mixed.

Luca died in 1987, a shitty day since he was not only a talented, sensitive and intelligent artist, but also and more important -I barely saw him personally, but a lot of people knew him and the opinion is unanimous- a good guy. Despite his skinhead looks he was all the contrary, and being a foreigner he expressed glimpses of Buenos Aires in a way few native people did.



So here we have a big compilation of songs that Sumo performed during the '80 in Argentina, including hits as well as some never issued material. This is my way of spreading the word about SUMO, enjoy it!

Obras Cumbres:

CD 1:

01 Heroina
02 La Rubia Tarada
03 Mula Plateada
04 No Acabes
05 Regtest
06 El Reggae De Paz Y Amor
07 Debede
08 Mejor No Hablar De Ciertas Cosas
09 Divididos Por La Felicidad
10 No Duermas Mas
11 Kaya
12 Fiebre
13 Cuerdas, Gargantas Y Cables
14 Cinco Magnificos
15 Estallando Desde El Oceano
16 T.V. Caliente
17 El Ojo Blindado
18 Fuck You

CD 2:

01 Los Viejos Vinagres
02 Nextweek
03 No Good
04 Que Me Pisen
05 Aqui Vienen Los Blue Jeans
06 Ni Mas Nada
07 Crua-Chan
08 No Tan Distintos (1989)
09 Banderitas Y Globos
10 Mañana En El Abasto
11 Hola Frank
12 Ojos De Terciopelo
13 Lo Quiero Ya
14 La Gota En El Ojo
15 El Cieguito Volador
16 No Te Pongas Azul
17 Brilla Tu Luz Para Mi
18 Callate Mark
19 Años
20 Noche De Paz

日本頑張ってください - Nihon gambatte kudasai!

Bajamos seguramente mucha música hecha en Japón. Si eso sirvió de algo (quiero decir: aprender a apreciar lo que hacen otros seres humanos, disfrutar del hecho de compartir arte, pasar buenos momentos gracias a eso, etc. y etc.) entonces podemos demostrar lo útil que es contar con una internet libre y neutral.

Esto significa que compartamos cosas con desinterés; sin mediar la estúpida, fastidiosa, egoísta y artísticamente irrelevante cuestión del comercio. Gracias a internet nos ha llegado mucho de lo que se hace allí, y este blog es sólo un paupérrimo ejemplo.

Ahora podemos demostrar que funciona también a la inversa: podemos desinteresadamente, por el sólo hecho de que nos duele lo que allí ocurre y sin esperar que nos den nada a cambio, utilizar este medio para devolver algo en un momento en el que realmente lo necesitan.

Y de paso, cerrar la boca de esos mercaderes imbéciles que quieren convertir internet en un mero shopping, en el que absolutamente todo se compre y se venda para que se forren unos inútiles cuya única función es ser "dueños" de cosas que no hacen.

Este sitio me lo ha señalado gente de Japón como confiable.

http://members.canpan.info/kikin/products/detail.php?product_id=1080

Por supuesto, otras organizaciones como la Cruz Roja esperan que demos algo, y gracias a este medio podemos hacerlo con relativamente poco esfuerzo.

La mayoría de los habitantes del mundo no somos millonarios, pero espero que sí seamos generosos e inteligentes: ayudar al prójimo es en buena medida ayudarse a sí mismo.

Gracias :)

Salon Music - La Paloma Show - 1984

Es imposible que no gusten, he dicho. Un ejemplo de elegancia naïve muy japonesa. Que yo sepa sólo Japón puede hacer del kitsch algo fuera de la menor connotación irónica.

Salon Music, un dueto chico / chica: Yoshida Jin y Takenaka Hitomi. Este es su primer álbum, que sería seguido por varios otros, todos muy disfrutables, pero mucho. Sólo que este... creo que es especial. No sé si "mejor" que los que lo siguieron, pero me parece que todos los demás (entre los cuales están Topless - 1985, Psychic Ball - 1990, Kelly's Duck - 1997, Girls at our Tratt's Best! - 1998 y New World Record - 2002) son más brillantes, más electrónicos... y este en cambio es mucho más modesto, tiene una extraña pátina vintage que lo hace a mis oídos (no) paradójicamente más raro, más interesante.

Creo que ha sido co-producido por el tercer Yellow Magic Orchestra (junto con Ryuichi Sakamoto y Haruomi Hosono) Yukihiro Takahashi.

Se apoya en dos pequeños éxitos: Paradise Lost (aseguro que queda pegado al cerebro, pero agradabilísimamente pegado) y el maravilloso Voice From Tangier. Como en la reedición de 1993 de este mismo álbum, aquí hay dos versiones remix de dichos temas al final del mismo.

Es un álbum pop, pero con todas las virtudes y ninguno de los defectos habituales del pop. Es muy fácil de escuchar, canciones que podrían ser clásicos, pero al mismo tiempo no se parece a ningún grupo. Engancha el oído con toda facilidad, pero no es ramplón. Es sofisticado pero en lo más mínimo pretencioso.

Para tímpanos que quieren ser bien tratados.

Grupo: Salon Music
Album: La Paloma Show
Año: 1984

1. Voyager Of The Beagle
2. Awaiting Manana
3. Bitter Spring
4. Moving On
5. Voice From Tangier
6. Behind My Picture
7. See Emily Play
8. Past Glories
9. Paradise Lost
10. Voice From Tangier -Voiceless Mix-
11. Paradise Lost (Bikini Mix)

Ikuko Kawai (川井郁子) - Violin Muse - 2001

Ikuko Kawai (川井郁子) nació en 1968, es violinista y compositora, y tiene una extensa carrera con varios discos publicados.

Como siempre es divertido analizar las etiquetas de género que reciben ciertos artistas, vamos a hacerlo: la más desafortunada quizás sea la de "new age", que a mí me espantaría; supongo que se debe a que integra elementos de las llamadas músicas "étnicas" (¿?), como ciertos aires piazzoleros y guitarras españolas. Otras etiquetas son "pop/cross violin", "neoclásico", "world/clásico contemporáneo" y así... Sé que se ha mandado una versión de El Choclo por ejemplo, y el álbum que presentamos tiene un par de pasajes que te sentís en Corrientes y Esmeralda.

Pero ver la lista de temas puede engañar y hacernos pensar que se trata de meras interpretaciones de lo existente, y juro que no. Sin ir más lejos Summer Storm está basada en las famosas 4 estaciones de Vivaldi, pero Ikuko Kawai participó en los arreglos, que incluyen un sorprendente ritmo que varía entre el jazz y floreos criollos de guitarra que se me escapan; La Festa Capricciosa está basada en La Campanella de Paganini pero con fusiones sutiles... En general todo está refundado, mezclado de modos deliciosos sin sonar para nada extravagante.

Sin tener ni idea de cómo se debe tocar un violín, me arriesgo a decir que toca de manera precisa y a la vez sentimental y que tiene un gusto musical hipnotizante. No tengo ni idea de lo que opinaría un purista, pero como no lo soy, escucho y fumo.

Album: Violin Muse
Año: 2001
Temas:

01 Violin Muse
02 Summer Storm
03 Milonga Triste
04 Eternally
05 Crimson Rhapsody
06 A Tale Of Aphrodite
07 La Festa Capricciosa
08 El Flamenco
09 Luna De Tarragona
10 Cobalt Moon
09 Luna De Tarragona
10 Cobalt Moon

Bark Psychosis - Hex (1994)

Sin duda se habrá oído hablar del famoso post-rock, un género del que al menos yo no tengo una idea clara de qué significa (lo que no es raro ya que mi ignorancia es eniclopédica); diríase que es ese estilo que incorpora elementos del rock, pero que ya no es rock... Tampoco es una definición demasiado sofisticada, pero es que no se me ocurre otra.

Dentro del post-rock hay para mi gusto muchas bandas buenas generalmente poco conocidas: los brasileños Mamparra y su excelente Perdeu a Lingua, los japoneses Sgt y su álbum Stylus Fantasticus, etc. Por otra parte hay bandas mucho más conocidas pero mucho más flojitas, como los chirles Sigur Ros. Esto quizás haga que generalmente se vea al género como pretencioso e inepto, tanto como para que en cierto blog haya visto la etiqueta post rock that doesn't suck. Y es que el género nunca tiene la culpa; veamos...

¿Quién inventó el post-rock? Podemos usar ese verbo porque en este caso tenemos un antecedente. Un buen día de 1994 el crítico Simon Reynolds acuñó el término en una nota para Mojo refiriéndose principalmente a la banda que nos ocupa: Bark Psychosis.

Van a encontrar una muy buena reseña de la banda aquí. Tal como señala el artículo de la Wiki, estos británicos que comenzaron en 1986 han interpretado toda clase de estilos de manera muy disfrutable y versátil; también han sufrido muchos cambios en su formación, básicamente inestable. Su líder Graham Sutton declaró una sana intención artística:

Estar en esta banda es nunca repetirse. Siempre intenté sorprenderme a mí mismo y a los demás, jodiendo los preconceptos de la gente respecto de lo que hago y todo eso. Me encanta dar una impresión equivocada. O retorcer las cosas. Como por ejemplo sonar dulce al principio pero no serlo, o viceversa.

Pero lo más fascinante, lo más personal que han hecho fue quizás su álbum debut, que presentamos aquí: Hex. Es lo que mejor representa ese estilo atmosférico, etéreo, espacial-acústico. Las atmósferas de este álbum tienen espacio, un volumen indefinido y bellamente abstracto, pero nada frío o pretencioso. La diferencia quizás esté como siempre en detalles mínimos pero fundamentales: una avalancha de bandas posteriores intentó imitar ese efecto sin el menor éxito, porque entre otras cosas usaban sintetizadores... mientras que lo que hacía Bark Psychosis era conseguirse una iglesia vacía y tocar allí, el sonido resultante es muy bello.

El estilo de Hex es por lo tanto inclasificable. Tiene un sabor vagamente progresivo, por lo que muchos enojaron a Sutton comparando a la banda con Pink Floyd. La comparación no es necesariamente insostenible, algún fugaz tinte pinkfloydesco puede adivinarse en algunos pasajes (y al fin y al cabo Pink Floyd era una muy buena banda), pero el sonido Bark Psychosis es definitivamente otra cosa.

Siguiendo con este álbum, la voz es mínima pero emotiva, el piano es delicadísimo, los platillos sisean, hay algunas intervenciones de vientos... Pero las notas son largas, se toman su tiempo para llenar el espacio. A veces resbalan abruptamente o se mezclan con algún chirrido eléctrico, y entonces ese espacio sufre ondulaciones y distorsiones, pero siempre sutiles. Por eso también puede tener un cierto color grunge, como pequeños agujeros por los a veces asomara la cabeza Nirvana, lo que además evita que sea demasiado meloso y mantiene ese no se qué de intrigante que lo hace disfrutable.

En definitiva, Hex es una gema, extraño y bello. Quizás este tipo de sonido gana mucho con un equipo de audio bueno, pero he descubierto que unos buenos auriculares pueden ser también muy efectivos. Es un sonido perfectamente fumable, poco rítmico, no es para una fiesta sino para pensar y pensar y pensar...

Miharu Koshi - Corset (2003)

Observen a esta mujer ¿Cuántas pueden llevar ese atuendo cabaretero-saloon con gracia? ¡Y el stetson! Es casi imposible que no quede siempre un poco tosco, un poco aburrido; y sin embargo allí está Miharu Koshi, que de ella se trata, posando con todo el desparpajo. Nada de recato, mirada bien al frente, brazos (exquisitos) en jarra y boquita fruncida. Nada nuevo y sin embargo...

En occidente a una mujer le basta con ser bonita, y ni siquiera: con sólo ser llamativa ya parece que no necesita saber cantar, ni tocar, ni componer, ni producir, ni moverse más que sinuosamente. No es por nada pero luego de ver a Miharu Koshi, Lady Gaga es un boceto más bien torpe.

¿Música pop? Quizás... a esta altura no lo tengo muy claro. Hay arreglos electrónicos, sí, pero hay mucho más que eso. Parece que a Japón hay que ir a buscar todo ¿chanson? Japón ¿jazz europeo? Japón ¿Folk? Japón. Me van a diculpar la insistente nipofilia pero me parece que está sólidamente sustentada.

Miharu Koshi tiene una formación musical impresionante, una voz angélica, una creatividad múltiple y la audacia necesaria y justa. De su discografía elijo este álbum pero ha compuesto muchos. Y digo "compuesto" porque no es una muñequita que se limite a cantar, su participación en la composición, arreglo y producción es predominante cuando no exclusiva.

Me parece que en occidente tenemos un vicio bastante tonto, que es el de suponer que la belleza carece de profundidad, que la belleza física tiene necesariamente que ir en menoscabo del talento. En Japón van, como dicen los españoles, "a por todo", ¿y por qué no?

Así que ¿mujeres con talento? Japón. Y no es que en occidente no las haya, pero me parece que es en Japón donde hay más artistas mujeres que varones llevando el arte -al menos el musical- siempre un poco más allá. Quien piense que las mujeres no tienen talento creativo, que sólo sirven para ser bonitas, que escuche lo que compone Miharu Koshi y aprenda algo. Y quien piense que una mujer talentosa no puede tener una figura deliciosa, que mire dos veces.

Me dan ganas de tener yo mismo un stetson y un revólver pesado. Uno para sacármelo y el otro para pegar un par de tiros al aire, pegar un alarido bien redneck y que Miharu san me mire con cierta condescendencia... y un poco de curiosidad también. Me daría por satisfecho.

Qué mentiroso que soy.

Buenas tardes.

Death March Kantai - Tengoku to Jigoku ~ Ai to Shinjitsu no Jibakudan (2000)

Justo después del último álbum habría que escuchar este; ambos están en el mismo nivel de excelencia pero en extremos opuestos.

"Kantai" significa "armada" en japonés, y el título del disco podría ser algo así como "Paraíso e Infierno ~ Amor y Realidad Suicida". Y a pesar de lo denso del título y la tapa ciertamente inquietante, es un recital divertidísimo.

Hay un género llamado "rustic", no me pregunten quién lo inventó pero se trata de grupos (japoneses que yo sepa, o al menos la enorme mayoría) que se dedican a hacer música campesina, no urbana, folk, etc. Así el mismo grupo toca country, boogie jazz, klezmer, gipsy, circense, irish folk y dale y dale. Mezclan todo y sale... rustic.

Bueno, esta banda mezcla rustic con... heavy metal. La manera como amagan un riff satánico para terminar en la marcha del elefantito es divina. Arrancan con el Can-Can de toda la vida pero con guitarras bien duras, se mandan una bestiada de fusión acid folk-marylin manson-canto alpino suizo (sic, Yoodei ga Yooderu, escuchen si no) y ya en pleno delirio cantan tradicional hebreo como si estuvieran en Villa Crespo*.

Ritmo no le falta. Sugiero ponerlo en alguna fiesta, sin que nadie se dé mucha cuenta, a ver si alguien empieza a poner caras raras o todo el mundo se pone a bailar.

Capos totales.

*Uno de los barrios tradicionales de la clase media de origen judío en Buenos Aires.

Yoeko Kurahashi - Tadaima (2005)

Lo bien que canta esta chica las muchas cosas que canta (¡qué mal que me salen las frases!); es que la estoy escuchando y tiene un repertorio variado, una voz a la vez sobria, potente, delicada y hasta un poco juguetona. Una voz rara también, experimental, con algunos falsetes nasales que vagamente recuerdan a Yoshie Nakano, de Ego Wrappin'; el repertorio quizás también recuerda al mejor Ego Wrappin', lo que no es en lo más mínimo un demérito.

¿El repertorio dije? En principio hay meandros jazzeros, algo de rock, hasta algún floreo de tango muy estilizado (Scenario), un pop sofisticado que recuerda al Kayouyoku (al que podríamos llamar antecesor del moderno J-Pop), moderno J-Pop, estemmm... No sé, tampoco se trata exactamente de tocar esto y después aquello. Hay algo más que transforma todo, y me parece que es el talento.

De todas formas sí se ve con este trabajo y muchos otros que los japoneses reinventan todo y desarrollan géneros que han sido olvidados por la cultura occidental. Fieles al espíritu nipón, hacen todo mejor.

Y si no me creen, imaginen este tipo de música hecha por una banda occidental, y se darán cuenta de que nosotros somos incapaces -al menos hasta el momento- de revivir esos géneros con una mínima eficacia. Una banda occidental intenta hacer algo de esto y es un empelote.

Lo que demuestran los buenos artistas es que para ser experimental hay que dominar los registros clásicos; es la magia de recorrer caminos conocidos y de pronto llegar a sitios desconocidos. Y otro detalle en este álbum, que distingue al artista del blabloide, es la absoluta falta de pretensiones, una modestia imperceptible que llega a las nubes por la fuerza del talento y la audacia.

Nosotros tuvimos que conformarnos con Fabiana Cantilo ¿se acuerdan?

Loquitos peligrosos (saqueo desvergonzado)

Esto es un ejercicio de fiaca, pero el resultado es igualmente beneficioso. Primero vayan aquí, y observen detenidamente ese arte de tapa: un poco vintage, bastante macabro, loquito, mono, tóxico; así es el visual kei. Hay cualquier cantidad de bandas visual kei, pero muchas. Algunas muy extrañas como Shilfee and Tulipcorobockles, otros muy toxicandy como Aicle, por este desordenado blog mencionamos a Anachro Clock. Los peores visual kei pueden ser repetitivos, previsibles; los mejores pueden dar miedo. Este es de esos.

De paso: en ese blog bájense cualquier cosa que encuentren, recórranlo y explórenlo que vale la pena, me parece imposible que alguien no encuentre algo que le guste.

Luego de echarle un vistazo, vayan aquí y no dejen nada, pero especialmente Doumyaku, que lo estoy escuchando y pone los pelos de punta. Tampoco perderse Favorite Song, una maravilla de cancioncita llena de optimismo y de bisturíes.

Los dejo que tengo que seguir dibujando.

PD: Esto no podía faltar:

http://www.suicideali.com/pc/index_e.html vean cómo juegan al ajedrez, qué mononos.

Expo (エキスポ) - Expo no Bankoku Daisenrayku (エキスポの万国大戦略) (1987)

Uno de esos álbumes que escucho y vuelvo a escuchar, catalogado entre los requetebuenísimos. Expo fue una banda japonesa de los '80, pero recomendaría no atenerse mucho a este dato ya que lo que hacen es intemporal.

Sé muy poco acerca de estos tipos, sólo que son dos músicos (el álbum presenta a muchos más, pero no tengo idea si serán ellos mismos o invitados): Suguru Yamaguchi y Kimitaka Matsumae. De éste último sé que participó en la composición de bandas de sonido para juegos y/o películas además de haber lanzado un set de cuatro CDs como solista (Anata wa Kitsune) en los que derrocha una demencia que hace parecer a Frank Zappa tan excéntrico como Kenny Rogers. Ambos tocaron (no sé si aún lo harán) en la imperdible banda japonesa Hi-Posi, a la que debo una reseña, pero si encuentran Body Meets Sing verán de qué estoy hablando.

Este albumcito presenta a una banda que mezcla estilos y temas totalmente inusuales: hay pasajes neoclásicos, rock progresivo (en los 80!), soniditos MIDI (jamás pensé que se pudiera hacer nada decente con MIDI), jazz... cualquier cosa. Y todo unido con costura invisible, porque el todo suena coherente, establece una complicidad inmediata con el oyente.

Cierto elegante sentido del humor unido al virtuosismo instrumental recuerda un poco a Les Luthiers, sobre todo en la presentación de los músicos, que es imperdible. Me fascinan los "tropezones" rítmicos, esa manera de enganchar al oído y enseguida dejarlo suspendido a la espera de conclusiones que no llegan, o llegan tarde, o abren puertas a otros senderos pero sin abandonar la idea original... La sensación es la de estar escuchando música de otro planeta, o en un sueño. En ese sentido se parecen un poco a Tipographica (si no los conocen, búsquense por ahí God Says I Can't Dance o Floating Opera), pero más elegantes si cabe, e igual de locos.

Vuelvo a escuchar este disco una y otra vez y confirmo que es una joyita. Si lo ven no lo dejen escapar porque, ejem, es casi un incunable, ejem ejem. Estoy seguro de que pocos blogs lo tienen, ejem, ninguno en castellano, ejem.

Y un comentario para ejemplificar los alcances de una palabra demasiado usada: luego de escuchar esto ¿cuántas veces más oiremos decir que Charly García es un "genio"?

Grupo: Expo (エキスポ)
Album: Expo no Bankoku Daisenrayku (エキスポの万国大戦略) Traducción: algo así como "La estrategia mundial de Expo"
Año: 1987

01 - Tengoku no Hawaii
02 - Akachan Konkuru
04 - Roujin yo, Ijou Hanaika
05 - Raihin Gakudan
06 - Expo Hakase no Gyaku Rokoko Sakusen ~ Opening
07 - Jinkoushiba
08 - Expo Hakase no Gyaku Rokoko Sakusen ~ Fanfare
09 - Kigyou no Ousama
10 - Akachan Konkuru (PSG hen)
11 - Zoku Kigyou no Ousama
12 - Koi no Hotline
13 - Ijin no Aku Takurami
14 - Houdou Gakudan

Nobodyknows+ - Vulgarhythm (2007)

Bueno, para Navidad y fin de año, fiesta.

La palabra "vulgar" tiene dos caras, puede ser falta de originalidad, seguimiento servil de lo que hacen otros, el más atrasado sentido común o simple pereza. Pero también puede ser eso que surge del pueblo, de su creatividad, de lo que se le ocurre hacer a uno con ganas de divertirse.

A mí no me gusta ni lo popular ni lo no-popular, no me parece un criterio. Tanto en la música más espontáneamente popular como en la más rebuscadamente elaborada hay cosas que me gustan y no. Por ejemplo...



Si escuchan este disco pensarán en Coolio, y aún en Ricky Martin, que dicho sea de paso no me disgusta. Pero ocurre que a Ricky Martin lo han pasado tanto por la radio, y lo plagian tanto, y se plagia a sí mismo tanto que resulta imposible escuchar otra vez la cancioncita de María sin imaginar fiestas aburridísimas con señoras rubias ya un poco penosas.

¿Lo que hacen estos japos es mejor? Es rap, es funk, es jazzrockito latino, es pop pular. Observen esas pintas: los japos saben estudiarse el mínimo detalle, son excelentes actores y pueden expresar una personalidad con una pincelada. Fíjense que ninguno de ellos está exagerando nada, podrían ir así por la calle...



Estos estilos son precisamente vulgares en el mejor sentido de la palabra. El álbum me divierte mucho, y si tuviera que musicalizar una fiesta creo que basta con poner esto para que sea dificilísimo dejar de bailar. Estoy comenzando las navidades con esto y no dejo de pensar que me voy a bailar algo. Permiso.

Fishtank Ensemble - Samurai over Serbia (2007)

Vamos a contar una historia de esas.

Había una vez y sigue habiendo un francés al que le gustaba viajar por ahí; un día vio pasar a una troupe de gitanos y se les unió sin pensárselo demasiado. Fabrice Martínez se llama el irresponsable ese. Viajando con los gitanos aprendió varias cosas, entre ellas a tocar el violín, y el folk tradicional gitano, que abarca desde los Balcanes hasta la península ibérica. Recorrió varios países, y una vez que llegó cierto momento de esos que no se sabe por qué, pero llegan, dijo "Me voy a california" y se fue.

Allí conoció a una mujer que se llama Ursula Knudsen, del tipo que verla le hace pensar a uno en cosas muy serias. Y oirla cantar... Mmmhhh... Ohhhhh... Ejem.



Junto a ella también conoció al acordeonista Aaron Seeman, al guitarrista Douglas Smolens, al percusionista Adam Stacy y a un intérprete del shamisen llamado Kevin Kmetz, otro americano (U.S.A. está produciendo muy buena música) que ganó un primer y un segundo premio en sendos concursos de shamisén en Japón, el único occidental hasta ahora en lograrlo.

Muy bien, todos estos iluminados por una afortunada magia coincidieron en una sala de conciertos llamada Fishtank, en Oakland. Charlaron, charlaron y parece que alguien dijo algo así como "Che, pintó concierto?", sugiriendo mandarse una zapada ahí mismo en cuanto la sala estuviera disponible. Sí, así sin ensayar, una zapada a ver qué dice el público...

En unos días se mandaron su divertida zapada, y parece que pasó algo medio raro. Claro, yo creo que con tanta historia de gitanos, japonerías, talento que se junta de repente y las piernas de Ursula... era como para que cualquier duende urbano se entusiasmara: parece que se encontraron tocando canciones que ni ellos mismos conocían, pero que salían totalmente fluidas. El público no creyó que fuera una zapada sino un concierto de tipos con mucha carrera juntos. Tanto como para que alguien les ofreciera grabar un disco, que hicieron en tres semanas.

No es el que se presenta aquí, pero valía la pena contar la historia. Como corresponde a músicos de verdad, y no a la pelotudez de los divitos y divitas penosos que nos venden los medios, Fishtank Ensemble es en realidad uno de los proyectos y puntos de encuentro de gente que participa en múltiples proyectos, muy lejos del comercio y muy cerca del amor a la música. Créanme que merecen ser conocidos y más.

La vocalista es otro hallazgo, canta en múltiples idiomas y múltiples sentidos, baja notas del cielo, y también las sube. Y por si hacía falta -que siempre hace- toca el violín, el banjolele (mezcla de banjo y ukelele), el theremin y el serrucho. Sí: el serrucho.

Y la banda traspasa la música balcánica, klezmer, flamenco, folk japonés, nórdico... todo envuelto con un talento que nos parece estar escuchando un género de toda la vida, por una banda de toda la vida.

Si alguien dejara un link en los comentarios, tendríamos que agradecérselo y no perder un minuto. Es tiempo ganado para nosotros, porque la vida es esto y lo demás es mentira.

Website: http://www.fishtankensemble.com/

David Tukhmanov - Po Volnye Moei Pamyat (1975)

Una joyita perdida. Imaginen la URSS en 1975, hacer música progresiva (que es lo que se llevaba en los ’70) no parece demasiado fácil en un estado dominado por burócratas de gusto seguramente conservador. Sin embargo la escena musical soviética, aunque desconocida en occidente, dio lugar a muy buenos músicos que fusionaron rock progresivo, jazz y clásica con estilos difíciles de comparar. David Fyodorovich Tukhmanov es uno de ellos, y éste álbum es una pequeña maravilla.


Calificado usualmente como “soviet rock”, esta música felizmente trasciende por completo el género. Se trata de un disco sorprendente, lleno de ritmos y melodías muy variadas en las que –contrariamente a lo que uno se esperaría– el “sonido ‘70” que es tan característico (y que a veces puede ponerse previsible y aburrido) no es tan fácil de reconocer, sólo en algunos pasajes uno piensa “sí, esto es seventies...”, pero si me dijeran que este álbum fue grabado ayer no me costaría nada creerlo.

Otra particularidad son las letras, un potaje compuesto por pasajes –en algunos casos creo que versiones libres– de Safo, Verlaine, Baudelaire, Nicolás Guillén (autor del poema cuya versión libre da nombre al disco), Shelley, Goethe, poesía medieval y también de algunos interesantes poetas rusos. Y no hay que temer lo que uno se esperaría frente a esta presentación (¡oh no! rock setentero culto, pretencioso, interminablemente conceptual, solos larguísimos... ajummmm...), por el contrario, el tono es absolutamente fresco.

El trabajo que se mandó David Tukhmanov, liderando su propio cuarteto, reuniendo vocalistas de varias bandas, seleccionando textos muy variados y aportando su propio talento, dio como resultado un disco delicioso, muy fácil de escuchar y al mismo tiempo sofisticado y elegante. El arte de tapa que ilustra la cubierta (también es importante esto en un disco) es muy bello, y creo que da una idea acertada de lo que uno se puede encontrar dentro.

En su momento fue un hit soviético, vendió 2,5 millones de copias y creo que aún hoy se pasa algún tema en las radios rusas. Una edición remasterizada de este álbum se hizo en 1997 y otra, creo, en 1984. En el archivo hay también una breve reseña del álbum que encontré en otro blog, pero realmente me parece que no le hace mucha justicia.

Como siempre, esperemos que alguien deje un link en los comentarios...

Formación:

Борис Пивоваров (Boris Pivovarov): guitarra
Давид Тухманов (David Tukhmanov): piano, órgano, sintetizador, piano eléctrico
Владимир Плоткин (Vladimir Plotkin): percusión
Аркадий Фельдбарг (Arkadiy Fel'dbarg): bajo, violín

Lista de temas (en el original ruso, con esforzada traducción debajo)

Я мысленно вхожу в Ваш кабинет (М. Волошин) М. Бади ("Арсенал")

Из сафо (VII век до н.э. , перевод В. Вересаева) Вокальная группа "Современник"

Из вагантов (XI - XIII вв. , перевод Л. Гинзбурга) Игорь Иванов ("Надежда")

Приглашение к путешествию (Ш. Бодлер , перевод И. Озеровой) А. Барыкин ("Самоцветы")

Доброй ночи (П. Б. Шелли) М. Бади ("Арсенал")

По волне моей памяти (Н. Гильен , перевод И. Тыняновой) В. Андрианов ("Лейся , песня")

Сентиментальная прогулка (П. Верлен , перевод А. Эфрон) С. Беликов ("Аракс")

Сердце моё , сердце (И. В. Гёте , перевод В. Левика) Вокальная группа "Добры молодцы"

Смятение (А. Ахматова) Л. Барыкина ("Надежда")

Посвящение в альбом (А. Мицкевич , перевод С. Кирсанова) Вокальная группа "Современник"

Entro mentalmente en tu cuarto. Maximilian Voloshin; Mehrdad Badi (del grupo Arsenal)

De Safo. Safo (s. VII a. C.). Traducción de V. Veresaeva; grupo vocal Sovremennik

Del Vagant (“vagants”, trovadores franceses, s. XI - XIII d.C.). Traducción de L. Ginzburga; Ígor Ivanov (del grupo Nadezhda)

Invitación al viaje. Ch. Baudelaire, traducción de I. Ozerovoj; A. Barykin (del grupo Samotsvet)

Buenas noches. P.B.Shelley; Mehrdad Badi (Arsenal)

Por las olas de mi memoria. Nicolás Guillén (“Agua del recuerdo”), traducción de I.Tynjanovoj; V. Andrianov (del grupo Leisya Pesnya)

Paseo sentimental. P.Verlaine, traducción de A. Efron; S. Belikov (del grupo Arax)

Corazón, mi corazón. J.W. von Goethe (“Neue Liebe, Neues Leben”), traducción de V.Levika; grupo vocal Dobr Molodts

Confusión. A. Ahmatova; L. Barykina (Nadezhda)

Dedicatoria del álbum. A. Mitskevich, traducción de S. Kirsanova; grupo vocal Sovremennik

Liv Moon - Double Moon (2009) o una voz en la cúspide

Si visitan su sitio web van a ver a una chica muy mona, delgadita, de apariencia tan casual como para que hasta ese peinado apenas desprolijo le quede precioso. Sin embargo es difícil retener esa imagen mientras se la oye cantar.

Nacida en Suecia de madre nipo-coreana y padre sueco-polaco, Akane Okamoto-Kaminski más conocida como Akane Liv es el alma del proyecto Liv Moon, cuyo primer album se presenta con placer.

Educada en Japón -qué raro-, logró entrar al Teatro Musical Takarazuka, en donde sólo entran mujeres y hasta ese momento japonesas. Seis años allí y bajo una disciplina bastante espartana pero fructífera, Akane salió lista para comerse el mundo.

Con un registro impresionante (cuatro ocatavas, dicen los que saben) Akane Liv es la voz principal de Liv Moon, y para los amantes de los géneros, podría clasificarse como "metal sinfónico", pero creo que es imposible encontrarle parangón (pienso en bandas como Mutyumu o Diablo Swing Orchestra, pero no muchas más), Akane Liv se atreve con todo, y en este álbum hay una versión de El Fantasma de la Opera que creo está a la altura de las mejores.

Además de este precioso trabajo que presentamos aquí, ha grabado otro de covers (Scream like a Woman - 2010) que sugiero buscar porque tampoco tiene desperdicio.

En suma: una maravilla; si alguien nos deja un link en los comentarios sugiero lo bajemos sin demora.

Liv Moon - Double Moon (2009)

Temas:

1.Hisui Nephrite
2.Getsuka
3.Double Moon
4.The Phantom of the Opera
5.Interlude - The River Of No Return
6.A Wish
7.Oto Nakisakebi
8.Azayaka ni
9.Interlude - Privileged
10.Wild Creatures
11.Escape
12.Time to Say Goodbye
13.Good Night
14.La Luna (Bonus Track)

Liv Moon, Formación:

Akane Liv - Voz
Tatsuya Nishiwaki - Teclados
Youichi "Cheesey" Éhirose - Bajo
Kozo Suganuma - Percusión
Akitoshi Kuroda - Guitarra

Akane Liv, web oficial: http://www.akaneweb.net/

Re ups!

Acabo de reparar algunos link rotos. No podía permitir que Jun Togawa o Koenjihyakkei quedaran fuera de alcance.

Aproveche ahora que mañana quién sabe...

Ryota Komatsu, tango nipoporteño

No estaría bien dejar el blog de un argentino sin un tanguito, aunque como siempre tira la niponfilia, vamos a presentar a un tanguero japonés: Ryota Komatsu.

Una forma de conocerlo es leer este reportaje, me gusta especialmente esta parte:

No recuerdo que mis padres me hayan hablado de música. Le cuento una historia privada. Hasta los diecinueve años yo no sabía realmente qué hacer con mi vida. Mi madre estaba tan preocupada que consultó con una adivina. Le dijo: "Llévelo a orar a la tumba de sus antepasados". Lo hice y a los pocos días me metí de lleno con el bandoneón. No sé si tuvo algo que ver, es algo misterioso.

La adivina parecía tener bastante ingenio: la tumba de los antepasados parece un excelente lugar para meditar sobre lo que uno quiere hacer de su vida. No creo que se trate de nada mágico, podría haber sido una excelente psicóloga.

El disco que voy a reseñar es Tangologue, en el que Ryota Komatsu interpreta todos los temas, algunos de autores argentinos y otros de autores japoneses, incluído él mismo (Spica Esquisse me gusta especialmente). Tiene mucho de piazzolesco incluso en los temas que no son de Piazzolla, pero no se trata de una lánguida imitación sino de recrear un estilo ya consagrado. Y Ryota Komatsu lo hace de manera muy solvente.

Los cambios de clima que propone llevan por un momento a pensar que estamos ante un concierto un poco avant garde y “raro” para los tangueros tradicionales, pero si “raro” es un defecto para los tradicionalistas, yo prefiero tener el oído atento a las novedades con la única y férrea condición de que me gusten.

Y por favor no me vengan con que si “eso es tango” o “no es tango” porque me aburro muchísimo.

Tangologue (2005 – Sony Bmg Europe)

1) Buenosaireando (Victor Lavallen)
2) Spica Esquisse (Ryota Komatsu)
3) Jealous Man (No Me Hagas Melancolico) (Yuji Toriyama)
4) Preparense (Astor Piazzolla)
5) Betochaplica (Hiroshi Kumata)
6) ¿Cómo? (Hiroshi Kumata)
7) El Ultimo Kurdo (Ramiro Gallo)
8) Made In Usa (Astor Piazzolla)
9) ¡Qué Falta De Respeto! (Hiroshi Kumata)
10) Encuentro Con Osvaldo Montes (Ryota Komatsu)
11) Sueño De Tango (Leopoldo Federico / Nicolas Ledesma)
12) De Norte A Sur (Victor Lavallen)
13) A La Sombra Del Fueye (Victor Lavallen)
14) Mi Fueye Querido (Leopoldo Federico)
15) Mezame (Masao Yagi)

¿Link en los comentarios...?

The Eccentric Opera - The Eccentric Opera

En primer lugar: estoy seguro de que esto no dejará indiferente a nadie sea cual sea el género que le guste al ocasional lector. Si le gusta la ópera... bien, yo no soy un experto en el asunto y no puedo juzgar con la menor autoridad, pero a mí me parece que estas chicas cantan muy bellamente.

"Estas chicas" son:

Nami Sagara, o la pelada que aparece en el disco, soprano y voz principal



Graduada en la Universidad Nacional de Bellas Artes de Tokio, dueña de una voz angélicamente potente y expresiva.

y Naoko Kakiage... jamás pensé que un escobillón podía ser tan sexy:



Naoko también se graduó en la misma universidad, es una exquisita segunda voz y además maneja los teclados, los sintetizadores, las computadoras y toda la parafernalia electro.

Un momento... ¿"parafernalia electro" dije? ¿No es que cantan ópera? Bien, es verdad que cantan ópera, algunos de sus discos no incluyen electrónica, pero este sí. Se trata de su disco debut, del año 1996, y me parece blasfemamente bello. Sé que los puristas pueden protestar, pero también estoy seguro de que The Eccentric Opera puede anonadar al oído más exigente.

No sólo por lo bien que cantan, no se trata de cantar ópera y poner "punch-punch" detrás, como han hecho tantos. Aquí se trata de una vocalización mágicamente cambiante, un pathos (si me perdonan el snobismo) vibrante combinado con una elegancia tecnológica apabullante. Los japoneses me convencen de que en el arte vale absolutamente todo y que la única regla maestra es algo tan volátil y contundente como el talento.

¿Gregorians? Olvídelos ¿Nina Hagen? Una gritona esforzada y gorda. Quizás el inmortal Klaus Nomi podría hacerles alguna sombra desde los '80... Pero The Eccentric Opera la rompe en mil pedazos.

El mejor momento del disco para mí es quizás Torna a Surriento, el italian-euro-lounge-pop que despliegan es cancherísimo (supercool en gringo), y Oh! Mio Babbino Caro mezcla el patetismo del original de Puccini con un electro frívolo totalmente desconcertante, todo al mismo maldito tiempo y sin perder cada cosa su carácter, a pesar de estar todo perfectamente ensamblado.

Quizás el Hallellujah y el Ave Maria sean -luego de haber escuchado todo el álbum- menos sorprendentes, pero de todas maneras no hay una sóla nota de más en toda la obra.

Para este album incorporaron al tenor Yutaka Kawasima, quien canta partes que yo al menos no había escuchado nunca cantadas por varones, aunque quizás sí existan antecedentes que yo no conozco.

Album: The Eccentric Opera
Editado en: 1996
Ref.: ESCB1779 - Epic/Sony Records

1 - CARO MIO BEN (G.Giordani)
2 - CARMEN : HABANERA "L'amour est un oiseau rebelle" de la ópera Carmen (G.Bizet)
3 - I WANDER AS I WANDER (John Jacob Niles)
4 - AMARILLI (G.Caccini)
5 - MADAM BUTTERFLY "Un bel di vedremo" de la ópera Madama Butterfly (G.Puccini)
6 - TORNA A SURRIENTO (Ernesto de Curtis - Giambattista de Curtis)
7 - THE QUEEN OF THE NIGHT "Der Holle Rache kocht IN meinem Herzen" de la ópera Die Zauberflote (W.A.Mozart)
8 - OH! MIO BABBINO caro de la ópera Gianni Schicchi (G.Puccini)
9 - HALLELUJAH del oratorio Messiah (G.F.Handel)
10 - AVE MARIA Ellens Gesang 3 op.52 -6, D839 (F.Schubert)

Link en los comentarios...?

FLiP - Haha Kara Umareta Hinekure no Uta

No, no somos punks, estamos hartas de eso. Sí, nos pusimos lo primero que encontramos ¿tenía que ser de otra forma? Sí, este lugar es tan bueno como cualquier otro. Sí, miramos para cualquier lado, sí, y yo me traje las llaves colgadas y no es un accesorio cool precisamente. Somos personas ¿sí?

Nosotras cantamos, nene.

Y dejá de mirar con esa cara, por favor.



Haha Kara Umareta Hinekure no Uta

1 DARTS
2 haha kara umareta hinekure no uta
3 aikyou warai
4 SING
5 yayoi no nijuukyuu